Foto tapa - "Imagine" - JOHN LENNON - (Yoko Ono)

 

Cuando Lennon tuvo que idear la tapa de “Imagine”, pensó en su amigo Andy Warhol.

El artista pop llegó a su casa y comenzó a sacarle fotos con una polaroid. Fotos de primeros planos de su cara. Aunque las fotos son muy parecida a la que se utilizó para la tapa, la misma, no terminó siendo de Warhol.

Parece, que luego de retirarse Andy, Yoko Ono tomó la polaroid y comenzó a sacar fotos parecidas. Y es una foto de ella la que se terminó usando para la tapa.

Yoko Ono utilizó una técnica artística dentro del mundo de la fotografía: La doble exposición. Esto significa, exponer dos veces el mismo negativo, o en otras palabras, sacar dos fotos en una. Ambas imágenes se entremezclan y genera una nueva.

Una de las fotos es la cara de John y la otra es de un cuadro del artista Geoff Hendricks (artista plástico que pintaba cielos con nubes en múltiples superficies).

El concepto era crear un ambiente onírico para que la tapa pueda transmitir la sensación de que John estuviera “imaginando”.

Foto tapa “Cross Road” BON JOVI - (Anton Corbijn)

Anton Corbijn es un reconocido fotógrafo del mundo de la música, al nivel de haber dejado un estilo que todos copiaron.

Su concepto era salir de la fotografía “glamour” con la cual el resto de los fotógrafos retrataban a los músicos (maquillaje, cambio de ropa, colores, luces artificiales en estudios cerrados).

Corbijn, se arriesgó a ofrecer lo opuesto porque creía que el rock tenía que estar reflejado en las fotos. Desde los 70’s, sus fotos se caracterizaban por ser muy rusticas. Lograba captar una imagen más humana del músico, ya sea en su ámbito, con su ropa, en locaciones reales, al aire libre y con luz natural. Elegía sacar con 35 mm, en blanco y negro, muy granuladas, con mucho contraste y sin trípode.

Composición:

Según la ley de tercios, si dividimos la foto en partes iguales utilizando 4 líneas, dónde se crucen las mismas, serán los 4 puntos de mayor interés de la imagen. Y a su vez, las líneas también son guías de interés. El concepto es lograr dinamismo y un mayor recorrido visual. No tener los elementos en el centro, es más entretenido para la vista. Y si existen dos puntos de interés, se pueden situar en puntos o líneas opuestos.

En esta foto, Jon bon Jovi, ocupa toda la línea de la izquierda. Su cara está sobre el punto de interés superior y el diario en el inferior. El otro punto de interés (el resto de la banda) ocupa el punto de interés opuesto. La ubicación de ambas figuras de interés están en una composición armoniosa.

Luego, hay una utilización artística de la profundidad de campo. Y este, es el fuerte del fotógrafo.

La profundidad de campo, es la zona de la foto que está en foco. Generalmente, si utilizamos esta herramienta, la figura principal de interés está en foco y el fondo borroso. Sin embargo, el fotógrafo, hace lo puesto. La figura principal es Jon Bon Jovi (más cercana a la cámara y que ocupa más lugar en la imagen) sin embargo, está fuera de foco. Y el resto de la banda, que es la figura secundaria, es la que está en foco.

Anton, juega con los centros de interés. Por un lado, pone a Jon Bon Jovi como figura principal pero fuera de foco. Y por otro lado, al resto de la banda en el fondo pero en foco. Es una manera de buscar compensar el peso de los miembros de la banda manipulando las reglas de la composición.

Foto tapa "Blonde on Blonde" BOB DYLAN - (Jerry Schatzberg)

Claramente, la foto de tapa de “Blonde on Blonde” de Dylan está movida. Y cuando le preguntaron al fotógrafo si fue apropósito, este dijo: “Todo el mundo estaba intentando interpretar el significado, diciendo que debía representar ponerse ciego en un viaje lisérgico. No era nada de eso; hacía frío y los dos estábamos temblando.” Básicamente, la foto salió movida porque le temblaban las manos al fotógrafo.

Era el frío de aquel febrero de 1966 en New York. Bob Dylan estaba grabando el disco en la ciudad. Una mañana, Jerry Schatzberg (Fotógrafo y director de cine) le propuso realizar una sesión de fotos cerca del puerto (Greenwich Village) ya que le gustaban los edificios de ladrillos que había.

Todas las fotos salían nítidas y en foco. Pero claro, luego de ver todas, Dylan quiso la movida para la tapa.

Si la cámara sufre algún movimiento durante el tiempo que le lleva captar la imagen, la foto sale movida. No es una cuestión de foco, sino de tiempo de obturación.

Seguramente, Jerry eligió un tiempo de obturación bajo para que entrara más luz pero no lo suficientemente rápido para que el temblor de sus manos no afectara la toma.

Es verdad que hacía frío, pero por otro lado, el disco abre con una canción que dice “Everybody must get stoned.” Y, además, conocemos su vínculo con la marihuana y su influencia en la iniciación de los Beatles con la misma. Así que seguramente, sean ambas. La foto salió movida y Dylan la eligió porque continuaba con el concepto del disco.

“Blonde on Blonde” fue uno de los primeros en ser doble y la tapa también. Cuando se abre el vinilo, la foto continúa con el resto del cuerpo. La tapa es un primer plano de la cara de Dylan, y al abrirlo, la foto pasa a un plano americano.

Foto tapa "Robber Soul" THE BEATLES - (Robert Freeman)

 

Cuando el fotógrafo les estaba mostrando las diapositivas, una se inclinó accidentalmente generando un efecto de “estiramiento”. Este efecto, fue el que decidió la Tapa y el nombre de Robber Soul.

El fotógrafo era Robert Freeman. Venía trabajando con los Beatles desde que se hicieron famosos. Y esa fue su quinta y última foto de tapa para un disco de ellos.

La casa de Lennon contaba con un gran jardín, y en 1965, lo eligieron como locación para la sesión de fotos.

Luego de revelarlas, se reunió con ellos para que eligieran una para la portada del próximo disco (que no tenía nombre). Para eso, tomo un cartón blanco (con las medidas de una tapa de disco de vinilo) y comenzó a proyectar las fotos ahí. En una foto, el cartón se inclinó para atrás generando el famoso efecto. A los Beatles les encantó como quedaba. Les recordaba a la frase “plastic soul” (tan de moda en esos días) con la cual los afroamericanos se referían despectivamente a los blancos cuando intentaban cantaban soul. (En la canción “I´m Down”, de la versión de la Antología, al final se escucha a Paul repitiendo esta frase varias veces.)

En ese momento, todo tomó forma y decidieron utilizar la foto “estirada” con un nombre que juegue con el concepto “plastic soul” y a Paul se le ocurrió: “Robber soul”.

Por primera vez, un disco de los Beatles no llevaba el nombre de la banda. Este fue un pedido del fotógrafo para que la foto se luciera más. (Luego en “Abbey Road” sólo será una foto.) Solamente lleva el nombre del disco, que fue diseñado especialmente para continuar con el mismo concepto.

Composición de la foto original:

Freeman eligió un plano contrapicado. Este tipo de plano es cuando la cámara se coloca por debajo del sujeto a fotografiar brindándole poder, grandeza, seguridad y generando una sensación de inferioridad en el espectador.

A su vez, elige un plano medio, donde deja afuera sus piernas y deja un espació considerable por arriba de sus cabezas, creando un espacio negativo.

Se buscó en los colores cierta armonía en complementarios (verde, marrón, negro) y una iluminación natural.

Entre las figuras principales y el fondo verde, se genera un contraste de textura y ritmo que contraste con el marrón y el liso de sus ropas.

Pero lo mejor de la composición, son las miradas. Tres de ellas miran a la derecha, lo que lleva a que miremos a ellos primero ya que da tranquilidad cuando las miradas apunten a un mismo lugar y ese lugar no es a nosotros. Pero luego, lo vemos a Lennon, que él si nos está mirando a nosotros generando, finalmente, esa sensación de incomodidad cuando te descubren que los estas mirando.

Muy distinta sería la foto si todos mirasen a un misma dirección.

Luego, la foto sufrirá el “estiramiento”, una rotación y un recorte considerable. Buscaron llenar la tapa con los primeros planos de sus caras y dejaron un mínimo espacio para colocar el logotipo.

Un accidente que definió la tapa y el nombre de un disco de los Beatles.

 

Foto tapa “London Calling” THE CLASH - (Pennie Smith)

En la última canción, el bajista Paul Simonon, se equivocó en una parte. No logrando superar la frustración, la ira se apoderó de él y destrozó su bajo preferido contra el piso del escenario (se arrepiente hasta el día de hoy). 

Todo esto pasó el 21 de septiembre de 1979, en el Palladium de Nueva York, cuando tocó THE CLASH como parte de su gira "Clash Take the Fifth” (la primera en los EEUU).

Esa noche, se encontraba la fotógrafa Pennie Smith (staff de NME) cubriendo la gira. Generalmente, ella se ubicaba debajo del escenario, o sobre el mismo, pero del lado del guitarrista, Mick Jones. Sin embargo, esa noche eligió ubicarse del lado del bajista.

El recital ya estaba terminando. Todo parecía estar saliendo bien, cuando de repente, ella notó que Paul Simonon elevó su bajo de forma vertical por los cielos. Algo estaba pasando. Luego se dirigió hacia su ubicación y comenzó a destrozar su Fender Precisión a 2 metros de ella.

Pennie, sorprendida, sin tiempo de poder configurar su cámara Pentax ESII y con mucho miedo, comenzó a disparar.

Composición:

En este tipo de fotografías, el fotógrafo no puede solicitar que las personas posen. Tampoco puedo pedir que repitan lo que estaban haciendo. Es una tarea mucho más difícil que la mayoría de las fotos dónde el fotógrafo tiene el control. Acá, debe anticiparse a los movimientos. Cuando cree que algo bueno puede suceder, comenzar, lo más rápido posible, a componer con lo que pueda. Ordenar el caos en un rectángulo y comenzar a disparar.

También hay que tener en cuenta, que es muy complicado (casi imposible) poder medir la luz en los recitales. En los mismos, hay luces muy fuertes, muy puntales, que se prenden y apagan. Y al mismo tiempo, esas luces están rodeadas por la oscuridad misma. El contraste es muy elevado. La configuración de la cámara se termina haciendo a ojo. 

No es nada cómodo sacar fotos en un recital porque nunca hay tiempo suficiente para poder componer ni para poder medir la luz correctamente.

Es por todo esto, que la foto está totalmente fuera de foco, sobreexpuesta (quemada), con un poco de barrido y mucho grano (Ruido). 

Sin embargo, estos “errores” terminaron acompañando perfectamente lo que transmitía la foto: La ira, el descontrol, el punk, la rebeldía.

The Clash se caracterizaba por romper las reglar en todo. En la música, en sus letras, en su pensamiento político. Todos querían que esa foto fuera la tapa menos Pennie. Ella sólo veía los “errores” y le daba vergüenza que se publique una foto así en la tapa de un disco con su nombre. Pensó que iba a quedar poco profesional. 

Finalmente, la convencieron, ella accedió, y en 2002, fue nombrada la mejor fotografía del rock and roll de todos los tiempos por la revista Q, que argumentó: “captura el último momento del rock and roll - la pérdida total de control"

El bajista sintió que cometió un error cuando rompió el bajo y la fotógrafa sintió que cometió un error cuando sacó la foto.  Gracias a esos errores, la tapa de “London Calling” fue nombrada la novena "mejor portada de todos los tiempos" por la revista Q, decima por el Royal Mail para la serie "Classic Album Cover", décimo sexta para la Billboard y la quinta mejor portada de todos los tiempos por la Rolling Stone.

Foto tapa (What's the Story) Morning Glory? OASIS - (Brian Cannon)

Era un sábado a la noche de 1995 en el Soho de Londres. Típica noche de bares y alcohol de los hermanos Gallagher y sus amigos. Entre ellos, se encontraban Brian Cannon (Fotógrafo de tapa de todos sus discos y singles), el Dj Sean Rowley (Periodista de música en radio y TV) y Owen Morris (Productor de su primer disco). Cerveza va, cerveza viene, deciden sacar la foto de su próximo disco cuando salieran los primeros rayos de sol esa misma noche.

La idea original de la foto era que estuviesen los hermanos caminando por las calles del Soho con los primeras luces del día (de esa manera habría menos gente y autos). Pero, lamentablemente, el sol tardó demasiado para la poca paciencia que se tenían Noel y Liam. Ambos se pelearon y se retiraron antes.

De esa manera, quedaron solos: Brian Cannon, Sean Rowley y Owen Morris. Pero, a pesar de no contar con ninguno de los integrantes de OASIS y estando borrachos, decidieron sacar la foto igual.

Salieron los tres a sacar fotos por las calles del soho a las 5 de la mañana. Y la primera que sacaron, es la que quedó.

Brian Cannon colocó su cámara con trípode sobre la calle Berwick Street en cruce con la D’Arblay Street mirando para el Támesis.

Composición:

-Eligió la perspectiva que le brindaba la misma calle.

-La foto está sobre-expuesta. Se nota un poco quemada en el fondo de los edificios. Esto podría ser por la poca luz que seguramente había en el momento de sacar la foto (observar el detalle del farol todavía prendido como si fuera de noche). Y además, podría estar sobre-expuesta por querer lograr el efecto barrido de las personas caminando. No sabemos cuál de los dos motivos es el responsable de que la foto esté sobreexpuesta. Quizás, ambos lo sean.

-Hay una cierta poesía entre un fondo quieto en foco que contrasta con las dos personas en movimiento y fuera de foco. Casi como una crítica a nuestra manera de vivir en la ciudad, donde no tenemos tiempo de detenernos para disfrutar lo que nos rodea. La ciudad en foco, nítida, hermosa y la gente en constante movimiento, sin definición en sus caras, como todos iguales sin personalidad.

La persona que esta caminando de espaldas es el mismo Brian Cannon. Que luego de poner el temporizador en la cámara, salió caminando para encontrarse de frente con el Dj Sean Rowley en camisa y pantalones blancos.

En el fondo a la izquierda, se va a Owen Morris tapándose la cara con los master del disco al cual le estaban haciendo la tapa.

Finalmente, ni Noel, ni Liam, salieron en la tapa. Y sus tres amigos, se hicieron de ella.

Una foto de tapa que se ideó en ese momento, que llevó sólo una toma y que se hizo bajo los efectos del alcohol y que se terminó cobrando 25.000 libras.