Foto tapa "Blonde on Blonde" BOB DYLAN - (Jerry Schatzberg)

Claramente, la foto de tapa de “Blonde on Blonde” de Dylan está movida. Y cuando le preguntaron al fotógrafo si fue apropósito, este dijo: “Todo el mundo estaba intentando interpretar el significado, diciendo que debía representar ponerse ciego en un viaje lisérgico. No era nada de eso; hacía frío y los dos estábamos temblando.” Básicamente, la foto salió movida porque le temblaban las manos al fotógrafo.

Era el frío de aquel febrero de 1966 en New York. Bob Dylan estaba grabando el disco en la ciudad. Una mañana, Jerry Schatzberg (Fotógrafo y director de cine) le propuso realizar una sesión de fotos cerca del puerto (Greenwich Village) ya que le gustaban los edificios de ladrillos que había.

Todas las fotos salían nítidas y en foco. Pero claro, luego de ver todas, Dylan quiso la movida para la tapa.

Si la cámara sufre algún movimiento durante el tiempo que le lleva captar la imagen, la foto sale movida. No es una cuestión de foco, sino de tiempo de obturación.

Seguramente, Jerry eligió un tiempo de obturación bajo para que entrara más luz pero no lo suficientemente rápido para que el temblor de sus manos no afectara la toma.

Es verdad que hacía frío, pero por otro lado, el disco abre con una canción que dice “Everybody must get stoned.” Y, además, conocemos su vínculo con la marihuana y su influencia en la iniciación de los Beatles con la misma. Así que seguramente, sean ambas. La foto salió movida y Dylan la eligió porque continuaba con el concepto del disco.

“Blonde on Blonde” fue uno de los primeros en ser doble y la tapa también. Cuando se abre el vinilo, la foto continúa con el resto del cuerpo. La tapa es un primer plano de la cara de Dylan, y al abrirlo, la foto pasa a un plano americano.

Foto tapa "Robber Soul" THE BEATLES - (Robert Freeman)

 

Cuando el fotógrafo les estaba mostrando las diapositivas, una se inclinó accidentalmente generando un efecto de “estiramiento”. Este efecto, fue el que decidió la Tapa y el nombre de Robber Soul.

El fotógrafo era Robert Freeman. Venía trabajando con los Beatles desde que se hicieron famosos. Y esa fue su quinta y última foto de tapa para un disco de ellos.

La casa de Lennon contaba con un gran jardín, y en 1965, lo eligieron como locación para la sesión de fotos.

Luego de revelarlas, se reunió con ellos para que eligieran una para la portada del próximo disco (que no tenía nombre). Para eso, tomo un cartón blanco (con las medidas de una tapa de disco de vinilo) y comenzó a proyectar las fotos ahí. En una foto, el cartón se inclinó para atrás generando el famoso efecto. A los Beatles les encantó como quedaba. Les recordaba a la frase “plastic soul” (tan de moda en esos días) con la cual los afroamericanos se referían despectivamente a los blancos cuando intentaban cantaban soul. (En la canción “I´m Down”, de la versión de la Antología, al final se escucha a Paul repitiendo esta frase varias veces.)

En ese momento, todo tomó forma y decidieron utilizar la foto “estirada” con un nombre que juegue con el concepto “plastic soul” y a Paul se le ocurrió: “Robber soul”.

Por primera vez, un disco de los Beatles no llevaba el nombre de la banda. Este fue un pedido del fotógrafo para que la foto se luciera más. (Luego en “Abbey Road” sólo será una foto.) Solamente lleva el nombre del disco, que fue diseñado especialmente para continuar con el mismo concepto.

Composición de la foto original:

Freeman eligió un plano contrapicado. Este tipo de plano es cuando la cámara se coloca por debajo del sujeto a fotografiar brindándole poder, grandeza, seguridad y generando una sensación de inferioridad en el espectador.

A su vez, elige un plano medio, donde deja afuera sus piernas y deja un espació considerable por arriba de sus cabezas, creando un espacio negativo.

Se buscó en los colores cierta armonía en complementarios (verde, marrón, negro) y una iluminación natural.

Entre las figuras principales y el fondo verde, se genera un contraste de textura y ritmo que contraste con el marrón y el liso de sus ropas.

Pero lo mejor de la composición, son las miradas. Tres de ellas miran a la derecha, lo que lleva a que miremos a ellos primero ya que da tranquilidad cuando las miradas apunten a un mismo lugar y ese lugar no es a nosotros. Pero luego, lo vemos a Lennon, que él si nos está mirando a nosotros generando, finalmente, esa sensación de incomodidad cuando te descubren que los estas mirando.

Muy distinta sería la foto si todos mirasen a un misma dirección.

Luego, la foto sufrirá el “estiramiento”, una rotación y un recorte considerable. Buscaron llenar la tapa con los primeros planos de sus caras y dejaron un mínimo espacio para colocar el logotipo.

Un accidente que definió la tapa y el nombre de un disco de los Beatles.

 

Foto tapa “London Calling” THE CLASH - (Pennie Smith)

En la última canción, el bajista Paul Simonon, se equivocó en una parte. No logrando superar la frustración, la ira se apoderó de él y destrozó su bajo preferido contra el piso del escenario (se arrepiente hasta el día de hoy). 

Todo esto pasó el 21 de septiembre de 1979, en el Palladium de Nueva York, cuando tocó THE CLASH como parte de su gira "Clash Take the Fifth” (la primera en los EEUU).

Esa noche, se encontraba la fotógrafa Pennie Smith (staff de NME) cubriendo la gira. Generalmente, ella se ubicaba debajo del escenario, o sobre el mismo, pero del lado del guitarrista, Mick Jones. Sin embargo, esa noche eligió ubicarse del lado del bajista.

El recital ya estaba terminando. Todo parecía estar saliendo bien, cuando de repente, ella notó que Paul Simonon elevó su bajo de forma vertical por los cielos. Algo estaba pasando. Luego se dirigió hacia su ubicación y comenzó a destrozar su Fender Precisión a 2 metros de ella.

Pennie, sorprendida, sin tiempo de poder configurar su cámara Pentax ESII y con mucho miedo, comenzó a disparar.

Composición:

En este tipo de fotografías, el fotógrafo no puede solicitar que las personas posen. Tampoco puedo pedir que repitan lo que estaban haciendo. Es una tarea mucho más difícil que la mayoría de las fotos dónde el fotógrafo tiene el control. Acá, debe anticiparse a los movimientos. Cuando cree que algo bueno puede suceder, comenzar, lo más rápido posible, a componer con lo que pueda. Ordenar el caos en un rectángulo y comenzar a disparar.

También hay que tener en cuenta, que es muy complicado (casi imposible) poder medir la luz en los recitales. En los mismos, hay luces muy fuertes, muy puntales, que se prenden y apagan. Y al mismo tiempo, esas luces están rodeadas por la oscuridad misma. El contraste es muy elevado. La configuración de la cámara se termina haciendo a ojo. 

No es nada cómodo sacar fotos en un recital porque nunca hay tiempo suficiente para poder componer ni para poder medir la luz correctamente.

Es por todo esto, que la foto está totalmente fuera de foco, sobreexpuesta (quemada), con un poco de barrido y mucho grano (Ruido). 

Sin embargo, estos “errores” terminaron acompañando perfectamente lo que transmitía la foto: La ira, el descontrol, el punk, la rebeldía.

The Clash se caracterizaba por romper las reglar en todo. En la música, en sus letras, en su pensamiento político. Todos querían que esa foto fuera la tapa menos Pennie. Ella sólo veía los “errores” y le daba vergüenza que se publique una foto así en la tapa de un disco con su nombre. Pensó que iba a quedar poco profesional. 

Finalmente, la convencieron, ella accedió, y en 2002, fue nombrada la mejor fotografía del rock and roll de todos los tiempos por la revista Q, que argumentó: “captura el último momento del rock and roll - la pérdida total de control"

Además de la foto, utilizaron el mismo diseño de tapa que el primer disco de Elvis de 1956.

El bajista sintió que cometió un error cuando rompió el bajo y la fotógrafa sintió que cometió un error cuando sacó la foto.  Gracias a esos errores, la tapa de “London Calling” fue nombrada la novena "mejor portada de todos los tiempos" por la revista Q, decima por el Royal Mail para la serie "Classic Album Cover", décimo sexta para la Billboard y la quinta mejor portada de todos los tiempos por la Rolling Stone.

Foto tapa (What's the Story) Morning Glory? OASIS - (Brian Cannon)

Era un sábado a la noche de 1995 en el Soho de Londres. Típica noche de bares y alcohol de los hermanos Gallagher y sus amigos. Entre ellos, se encontraban Brian Cannon (Fotógrafo de tapa de todos sus discos y singles), el Dj Sean Rowley (Periodista de música en radio y TV) y Owen Morris (Productor de su primer disco). Cerveza va, cerveza viene, deciden sacar la foto de su próximo disco cuando salieran los primeros rayos de sol esa misma noche.

La idea original de la foto era que estuviesen los hermanos caminando por las calles del Soho con los primeras luces del día (de esa manera habría menos gente y autos). Pero, lamentablemente, el sol tardó demasiado para la poca paciencia que se tenían Noel y Liam. Ambos se pelearon y se retiraron antes.

De esa manera, quedaron solos: Brian Cannon, Sean Rowley y Owen Morris. Pero, a pesar de no contar con ninguno de los integrantes de OASIS y estando borrachos, decidieron sacar la foto igual.

Salieron los tres a sacar fotos por las calles del soho a las 5 de la mañana. Y la primera que sacaron, es la que quedó.

Brian Cannon colocó su cámara con trípode sobre la calle Berwick Street en cruce con la D’Arblay Street mirando para el Támesis.

Composición:

-Eligió la perspectiva que le brindaba la misma calle.

-La foto está sobre-expuesta. Se nota un poco quemada en el fondo de los edificios. Esto podría ser por la poca luz que seguramente había en el momento de sacar la foto (observar el detalle del farol todavía prendido como si fuera de noche). Y además, podría estar sobre-expuesta por querer lograr el efecto barrido de las personas caminando. No sabemos cuál de los dos motivos es el responsable de que la foto esté sobreexpuesta. Quizás, ambos lo sean.

-Hay una cierta poesía entre un fondo quieto en foco que contrasta con las dos personas en movimiento y fuera de foco. Casi como una crítica a nuestra manera de vivir en la ciudad, donde no tenemos tiempo de detenernos para disfrutar lo que nos rodea. La ciudad en foco, nítida, hermosa y la gente en constante movimiento, sin definición en sus caras, como todos iguales sin personalidad.

La persona que esta caminando de espaldas es el mismo Brian Cannon. Que luego de poner el temporizador en la cámara, salió caminando para encontrarse de frente con el Dj Sean Rowley en camisa y pantalones blancos.

En el fondo a la izquierda, se va a Owen Morris tapándose la cara con los master del disco al cual le estaban haciendo la tapa.

Finalmente, ni Noel, ni Liam, salieron en la tapa. Y sus tres amigos, se hicieron de ella.

Una foto de tapa que se ideó en ese momento, que llevó sólo una toma y que se hizo bajo los efectos del alcohol y que se terminó cobrando 25.000 libras.

El desembarco de Normandía

El famoso “Día D” no sólo pasó a la historia por ser una fecha importante en la segunda guerra mundial, sino que también llamó la atención porque los americanos hicieron lo que no se debe hacer en una guerra. Eligieron en una táctica suicida, y que al no estar en las expectativas alemanas, generó el factor sorpresa tan necesario para cualquier éxito.

Una táctica, que de salir bien, generaría el éxito de los aliados, pero de salir mal, generaría el éxito de los nazis. Un altísimo riesgo que el General Eisenhower decidió tomar.

Situación previa al desembarco

En 1944, los alemanes tenían el total control de Europa del Oeste y centro. El único frente de guerra era el este con la Unión Soviética.

Luego de la Conferencia de Teherán (1943) Churchill y Eisenhower acceden al pedido de Stalin de abrir un frente de batalla en el Oeste de Europa. De esa manera, generarían el efecto “pinza” contra los nazis.

Pero a diferencia de los soviéticos, los americanos e ingleses, no tenían ninguna base en Europa del oeste. Ellos se encontraban en Inglaterra a pocos metros de distancia de la Francia ocupada pero con un detalle muy importante: En una isla. Por lo tanto, la única manera de entrar a Europa para abrir un frente en el oeste, era mediante una invasión por agua.

Invasión por agua

Invadir por agua en territorio enemigo defendido, quizás sea de las peores y más arriesgadas tácticas de guerra. El invasor tiene 2 objetivos: Primero, ganar la batalla en la costa y segundo (y el más importante) lograr una “cabeza de playa”.

1-Cabeza de playa:

De nada sirve ganar la batalla en la costa, si rápidamente los soldados no reciben abastecimiento, apoyo de tanques, hombres y demás. Hay que tener en cuenta, que él que defiende, al estar en tierra, va a recibir apoyo de todo tipo en muy poco tiempo.

Por lo tanto, el principal objetivo es RESISTIR para crear una zona libre dónde los barcos puedan descargar (sin resistencia y lo más rápido posible) el resto del ejército invasor. Esto se llama “Cabeza de playa”.

2- ¿Dónde generar la cabeza de playa?

Si el objetivo de la “cabeza de playa” es resistir para que los barcos puedan descargar el resto del ejército, claramente debe ser una zona pensada para los barcos: aguas profundas (fondeo) y con facilidades para el atraque y la descarga de materiales y personal. Por lo tanto, las zonas mejor preparadas para esto, son los puertos ya existentes del enemigo.

La defensa alemana

Los nazis sabían que la cercanía con Inglaterra en Francia, generaba una tentación para una invasión por las aguas. Es por eso que Hitler le ordenó a Rommel fortificar la zona. El zorro del desierto llevó a cabo la fortificación de la costa francesa en lo que fue conocido como el “Muro del Atlántico”. Y teniendo en cuenta, que los puertos son los mejores objetivos para generar una “cabeza de playa”, reforzó los puertos cercanos a Inglaterra: CALAIS y CHESBURGO, principalmente, y luego EL HAVRE.

Los alemanes estaban convencidos que los aliados iban a desembarcar en CALAIS, por su puerto tan cercano a la isla, apenas unos 40 km de Dover. Además, los aliados habían movilizado todo un ejército a la ciudad a las ordenas de Patton. Un ejército que nuca se movió. Todo era para distraer. A su vez, CHESBURGO era un puerto mucha más grande y mejor preparado que el de CALAIS pero estaba a 120 km. Se cual fuera, ambos estaban muy bien fortificados.

Luego, se encontraban las zonas más alejadas de Inglaterra: todo lo que comprende entre CALAIS y CHESBURGO. La mayoría son playas (sólo hay un puerto importante: El HAVRE). Estas eran las costas menos defendidas, ya que por la distancia y la ausencia de puertos, pensaban que nunca iban a ser elegidos por el enemigo.

Operación Overlod

Contradiciendo todas las teorías militares, los aliados decidieron llevar a cabo un desembarco en aguas no profundas, sin ningún puerto cercano y en la zona de mayor distancia con Inglaterra: Las playas de Normandía. Lo llamaron “Operación Overlod”

Este “suicidio” táctico, tenía un sólo factor a su lado: EL FACTOR SORPRESA. Los alemanes nunca se imaginaron que se iban a arriesgar a tanto. Es por eso que la zona estaba muy poco defendida (únicamente la playa de OMAHA presentó cierta resistencia).

El verdadero miedo de los aliados, no era la resistencia en las playas, sino LOS REFUERZOS. Al estar en tierra, los alemanes podían enviar tanques desde CHESBURGO o EL HAVRE en pocas horas.

Es por eso, que antes del desembarco de infantería, paracaidista aterrizaron en los bordes de la zona de desembarco para boicotear caminos y puentes así los refuerzos tardarían más en llegar. La división 101 americana boicoteó la logística alemana del costado oeste y la 6 división inglesa la del este.

El desembarco fue un éxito, las batallas en la costa fueron ganadas pero todavía no tenían un puerto. Y sin un puerto, no iban a resistir mucho tiempo.

Puerto Mulberry

En toda la zona dominada por los aliados no había ningún puerto a la altura de un desembarco militar. Es por eso, que decidieron crearlo en pocas horas.

El principal problema que tenían eran las aguas poco profundas. Es por eso, que puerto artificial iba a estar lejos de las playas y se iba a comunicar con la costa a través de caminos flotantes.

A pesar de que el puerto artificial cumplía con lo prometido, era muy frágil. De hecho, el primero (frente a Saint-Laurent-sur-Mer) colapsó en una tormenta a los pocos días. El segundo (frente a Arromanches) es el que duró con pleno éxito. Es por eso, que tomar un puerto real, seguía siendo un objetivo.

Los aliados llegaron a Cherburgo por tierra, pero los alemanes lo destruyen antes de rendirse el 31 de junio.

Esta estrategia de ir destruyendo puertos, rutas y puentes a medida que iban en retirada hacia Alemania, les dificultó conseguir un puerto real.

Recién en Noviembre de 1944, los aliados tuvieron acceso a un puerto verdadero: El puerto de Amberes en Bélgica.

La participación de George Martin en las canciones de los Beatles

George Martin, más allá de ser el productor en todos los discos de los Beatles (salvo “Let It Be” que lo termina produciendo Phil Spector) también tuvo una activa e influyente participación como músico en las canciones. Ya sea directamente (tocando él mismo instrumentos) o indirectamente (dirigiendo a orquestas o a músicos cesionistas). Son por estas participaciones que lo bautizaron (merecidamente): El quinto Beatle.

En este gráfico, se puede ver el porcentaje de participación como músico por año:
 

1963-1964 (Please please me, With the Beatles, A Hard Day's Night y Beatles for sale)

El Piano era el instrumento fundamental del rock and roll de los años 50´s. Jerry Lee Lewis, Little Richard, Fats Domino eran sus referentes que lo tocaban.  Sin embargo, ninguno de los Beatles (hasta ese momento)  tocaba el piano.
Por lo tanto, la escases de teclados en una banda con muchas guitarras, motivo a que este instrumento tuviera un lugar privilegiado sin que hiriera susceptibilidades entre los integrantes. 
George Martin había estudiado piano en la Escuela Guildhall de Música y oboe (con la madre de Jane Asher, futura novia de Paul).
Sus primeras apariciones fueron como músico directo tocando el Piano (y en menor medida el órgano Hammond y la celesta). La mayoría son tímidos arreglos y acompañamientos. 

Tocó el piano en: “Misery”, “You Really Got a Hold on Me”, “Not a Second Time”, “Money”, “A Hard Day's Night”, “No Reply”, “Rock & Roll Music”, “Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey” y “What You're Doing”. También tocó la celesta en “Baby It's You” y el órgano Hammond en “I Wanna Be Your Man”.

Tuvo una participación directa con un promedio, entre los cuatros discos, del 19.77%

1965- Help!

George Martin va a tocar el piano (y otros teclados) en las canciones de los Beatles hasta el final.  Sin embargo, a partir de 1965, comenzaron a aparecer otros instrumentos de la música clásica pero que no estaban relacionado directamente al rock. Esto género, en un principio, algo de rechazo en los Beatles pero rápidamente fueron convencidos por Martin.
Lo primero que se grabó fue el solo de flauta Traversa en "You've Got to Hide Your Love Away” (tocado por un músico cesionista). Pero lo más importante,  fue el acompañamiento del cuarteto de cuerdas dirigidos por Martin en “Yesterday”. 

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 21.42%

1965-Rubber Soul

En “Robber Soul”, no aparecen flautas traversa ni cuartetos de cuerdas. George siguió tocando el piano, el órgano Vox y el piano eléctrico, con el cual da un gran paso como quinto beatle: Toca el solo de “In My Life”. 

Tuvo una participación directa con un promedio del 21.42%

Y acá, tengo que hacer un paréntesis. Estamos tan acostumbrados a escuchar las canciones de los Beatles, que ya las adoptamos como normales en todos sus aspectos. Pero, si escuchamos bien, ese solo de piano eléctrico no es para una canción pop o rock de los 60’s. Ese piano es de estilo Barroco clásico. Los Beatles, de a poco, comenzarán a mezclarse con arreglos de música clásica barroca (responsabilidad de Martin) para crear un nuevo estilo, el cual serán recordados por siempre: Rock barroco.

1966- Revolver

En “Revolver”, George se tomó la revancha y volvió con un octeto de cuatro violines, dos violas y dos violonchelos para “Eleanor Rigby” y  un quinteto de tres trompetas y dos saxos tenores para “Got to Get You into My Life”.
Además tocó el piano en “Tomorrow Never Knows” y el órgano en “Got to Get You into My Life”. Y para no perder el terreno ganado en “Robber soul”, tocó el solo de piano en “Good Day Sunshine”.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 35.71%

1967-Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Magical Mystery Tour

Como venimos viendo, el porcentaje de participación de George Martin va creciendo lentamente, pero en Sgt. Pepper's y Magical Mystery Tour, da un gran salto llegando a marcar el punto máximo.
En todo 1967, solamente en “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)”,  “Your Mother Should Know“,  “Flying” y “Baby You're a Rich Man”  no participó como músico. O sea,  de las 24 canciones de ese año, participó en 20.
Tocó el Piano, Órgano, Clavecín, Armonio y Glockenspiel. Y dirigió Cornos franceses, Arpas, violines, violas, violonchelos, chelos, contrabajos, clarinetes, clarinetes bajos, saxofones, trombones, trompetas, oboes, fagots, Flautas dulces y traversas, tubas, timbales, trompas, picolos, fiscornos y cornos ingleses.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 87.55%

1968-Álbum Blanco

Los Beatles estaban disfrutando del éxito de “Sgt. Pepper”, cuando de repente, murió Brian Epstein. Tristes, decidieron escapar a la India para meditar. 
Esa experiencia los influenció en la idea de despojarse de lo material y esto se vio reflejado en su próximo álbum. 

Decidieron hacer lo opuesto a Sgt. Pepper y buscaron la simpleza. Desde la tapa (toda blanca), el título (simplemente “Los Beatles”) y un sonido más acústico y menos barroco.
George Martín tocó el piano en “Rocky Raccoon”, “Good Night” y el armonio en “Cry Baby Cry”. Y dirigió orquestas y a otros músicos en: “Glass Onion”, “Piggies”, “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, “Martha My Dear”, “Mother Nature's Son”, “Revolution 1”, “Honey Pie”, “Savoy Truffle” y “Good Night”.

Claramente, la participación de Martin bajó ya que era el concepto de este disco en contraposición con el anterior. De todas maneras, la participación directa o indirecta fue del 36,66%

1969- Yellow Submarine

“Yellow Submarine” fue un disco que se editó como parte de la película lanzada un año antes. Fue más una obligación contractual que un álbum. 

Hay pocas canciones nuevas de los Beatles (que eran las que no habían entrado en discos anteriores). 
En “It's All Too Much” vemos el aporte de Martin con Trompetas y clarinetes en una canción de los Beatles, pero luego, todo el lado B son sinfonías para la película completamente escritas y dirigidas por él. 

No sé, si en la historia de la música, un productor publicó siete canciones enteramente propias en un disco que estaba produciendo para otra banda.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 61.53%

1969-Let It Be

“Sgt. Pepper” había logrado lo que ningún disco de música había logrado. Fue un gran éxito. Aclamado por los fans y las críticas. Habían sellado su sonido rock/barroco con un disco y una tapa acordes a ese estilo. Pero también, llegaron las críticas. 

Sgt Pepper tiene un 92,3% de participación de George Martin. La crítica giraba en que, la gran mayoría de los arreglos barrocos, no habían sido compuestos ni tocados por los cuatro de Liverpool. Esto comenzó a sembrar dudas sobre su capacidad como músicos.

Esta crítica hirió notablemente al ego de Paul y decidió crear un disco en respuesta.
“Let It be”, en un comienzo, se iba  llamar “Get back” (Volver)  porque la idea era grabar un disco como lo hicieron con “Please please me” (volver a tocar en vivo todas las canciones seguidas en una tarde sin otros músicos).

Grabar un disco de esa manera, implicaba que no iba a ver tiempo para orquestas u arreglos complejos. Iban a  ser ellos cuatro con sus cuatro instrumentos tocando en vivo. 

De esta manera, Paul se aseguraba que todos supieran que ellos tocaban y cantaban sin ayuda de nadie. Pero no sólo le preocupaba eso. Además, decidió grabar en un estudio de televisión las sesiones de grabación para que todos supieran que ellos también componían sin ayuda de nadie.
Claramente el “sin ayuda de nadie” era una manera de referirse a George Martin.  El productor sintió este clima hostil hacia su persona durante las sesiones y al no sentir que lo respetaban, decidió renunciar. 

Por eso, el disco lo termina produciendo Phil Spector (Quien sí, coloca arreglos de orquesta sin el consentimiento de Paul. Y es por eso, que en 2003, McCartney sacó “Let It Be - Naked”)

No sólo se fue el productor, también lo hizo el guitarrista. Harrison se marchó al no querer lidiar con la arrogancia de Paul. Pero a diferencia del productor, el guitarrista volvió. 
La vuelta de Harrison trajo condiciones que dieron muerte al proyecto “Get Back” que termina mutando en lo que conocimos como “Let It Be”.

La participación de George Martin fue prácticamente nula.

1969-ABBEY ROAD

Durante la grabación “Let it be”, el clima áspero se fue incrementando y decidieron tomar un respiro para calmar las aguas lo que dejó el proyecto sin finalizar (Lo harán recién en 1970 cuando se termina lanzando el disco ya separados.)

Los Beatles se tomaron vacaciones. Paul y John aprovecharon y se casaron con sus respectivas novias (Yoko y Linda). Y quizás, gracias a esto, ambos volvieron a Londres con paz y ganas de reconciliarse. 
Un día, John le tocó el timbre a Paul y limaron asperezas. Luego, compusieron y grabaron juntos: “The Ballad of John and Yoko”. Fue durante estos días de reconciliación, cuando decidieron llamar a George Martin para grabar el próximo disco.

Martin aceptó pero con la condición de que se trabaje como lo solían hacer antes. Todos aceptaron y se volvieron a ver en Abbey Road. 

Todo salió perfecto. El clima de trabajo fue el ideal y el nivel de composición insuperable. Quizás, todo salió bien porque sabían, en el fondo, que estaban grabando el último disco de la banda.

George Martin regresó como en las viejas épocas y se sentó frente a los teclados. Tocó el Organo HAmmond en “Maxweal silver hammer”, el clavicémbalo eléctrico en “Because” y  el órgano Lowrey en “Sun King”.
También dirigió orquestas y músicos en: “Something”, “Here came the sun”, “Golden Slumbers”, “Carry That Weight” y  “The End”.

Una participación directa e indirecta con un promedio del 50%

George Martin y los Beatles en las sesiones de Sgt. Pepper.

Antes de los años 60s, el productor musical era visto más como un técnico, cual trabajo era lograr que se grabaran bien los instrumentos y las voces. Pero George Martin (y otros colegas) comenzaron a involucrase más en las canciones y sus integrantes logrando que suenen mejor. Y este es el trabajo actual del productor musical. 

Hoy en día, el productor es sumamente respetado, de Igual o mayor manera que los músicos. Si una banda quiere grabar un disco,  lo primero que piensan es a que productor llamar. El mismo, se involucra de la misma manera que lo hacía Martin, pero quizás antes no estaba tan bien visto. George se adelantó a su época. 

Tengamos en cuenta que George Martin había estudiado música clásica y trabajaba con orquestas de música clásica. Ese era su fuerte.  

De repente, en 1962, le enviaron cuatro jóvenes con guitarras eléctricas y un nuevo sonido al cual todas las compañías discográficas rechazaban. Pero Martin aceptó y seguramente nunca había tocado una guitarra eléctrica en su vida.

Creo que George Martin quedó deslumbrado. Fue un admirador de las composiciones de los Beatles. Realmente fue un fan. Y como productor, trabajó intensamente para que esas canciones suenen mejor. Y claramente, su aporte fueron arreglos de música clásica, porque ese era su mundo.

El vínculo entre George Martin y los Beatles es un gran ejemplo del modo actual de trabajo entre productores y músicos. El productor trata de guiar a la banda hacia un mejor sonido y eso puede herir susceptibilidades. Pero no creo que un productor sea el creador de un artista. Los artistas entran al estudio con excelentes canciones pero no pueden saber todo. Hay ciertos arreglos y detalles que ellos no logran ver. Si los artistas hicieran todo, no existirían los managers, técnicos, fabricantes de instrumentos, sonidistas, iluminadores, prensa, etc…

¿Qué hubiera sido de los Beatles sin Brian Epstein? Seguramente hubieran tocado toda su vida en el Cavern. O no, no lo sabremos. Pero él hizo que le mundo los conociera. 

En el caso del productor musical y el sonidista, es más sensible el asunto, porque se están “metiendo” directamente con sus canciones. Por eso esas relaciones de amor/odio.

Entonces, las canciones son creaciones de los Beatles pero es verdad que el aporte “Barroco” dentro del sonido rock/pop es responsabilidad de Martin. Nunca sabremos bien cuál fue el grado de participación de los Beatles en los arreglos. Seguramente, varios fueron ideas de ellos que se los transmitían "tarareando" a Martin para que los escriba y los dirija. 

Lo importante, es que el trabajo de George Martin era lograr que las canciones de los Beatles sonaran mejor, y bien que lo logró.

¿Qué hace que una canción sea buena o mala? (Happinness is a Warm Gun)

En el mundo de la música hay canciones malas y canciones buenas. Muchas veces, simplemente lo sabemos y declaramos una canción como tal pero no sabemos bien como argumentarlo.

¿Qué hace que una canción sea mala o buena?

La música debe generar un viaje. Debe generar emociones. Debe ser una montaña rusa de sensaciones (como todo arte).

Esto se debe lograr en la composición. El músico está provisto de infinitas notas, infinitos acordes, infinitos ritmos, infinitas melodías, infinitos tempos, infinitas letras y una infinita combinación de todos. Que una canción sea aburrida, es claramente culpa del compositor.

Cuando la gran mayoría declara que los Beatles eran una gran banda, es porque se ve reflejado en sus composiciones.

Lennon escribió “Happiness is a warm gun” en 1968. Nació del título de una revista de armas que le mostró George Martin (“La felicidad es un arma caliente”). El título le pareció tan bizarro que se merecía una canción.

La canción está compuesta por 4 partes totalmente distintas. Cada una con diferentes notas, diferentes letras, diferentes tempos y diferentes melodías. Como 4 canciones en una que conectan perfecto. Es un viaje psicodélico por la cabeza de Lennon y un ejemplo de cómo componer bien.

Las 4 partes podrían ser:

1- “She's not a girl who misses much” (00:00 a 00:44)

Es la primera parte que podrida dividirse, a su vez, en dos partes: La intro con la voz y el arpegio de guitarra, y luego, cuando toma impulso con la entrada de los demás instrumentos.

Comenzar una canción con la frase, “Ella es una mujer que no extraña mucho”, es perfecto. Genera una gran incertidumbre. Podría ser el comienzo de un cuento. Poético.

El resto de la letra no se queda atrás, muy psicodélico. Claramente, la mejor letra está en esta primera parte.

El tempo es el clásico 4/4

2- “I need a fix 'cause I'm going down” (00:44 a 1:12)

Y de repente, todo cambia. El tempo se hace más lento pasando a un interesante 3/4. Bruscamente, el clima pasa a ser más depresivo. La letra acompaña con “Necesito una solución porque me estoy hundiendo” o también “FIX” se puede interpretar como una inyección. Lennon nos obligó a salir de nuestro estado de confort y entrar a un pozo.

3- “Mother Superior jumped the gun” (1:22 a 1:34)

Rápidamente nos ponemos a luchar para salir de ese pozo. John nos lleva a un viaje movido de tempos rarísimos. Alterna el 9/10 y el 10/10. Como un estado de euforia y ansiedad.

4- “Happiness is a warm gun” (1:34 a 2:44)

Finalmente, logramos salir de ese pozo y conseguimos la paz. Entramos en una llanura de verde armonía. Volvimos al confort del 4/4 con una combinación de acordes conocida por nuestros oídos y una letra que habla de la felicidad y del amor.

La canción comienza con una sensación de incertidumbre, luego caemos a un pozo, luchamos y finalmente conseguimos la paz. Lennon nos obliga a experimentar todas las emociones del ser humano en tan solo 2:44 minutos.