Colaboraciones entre los Rolling Stones y los Beatles

Los Stones y los Beatles siempre estuvieron muy unidos.

Los Beatles consiguieron el éxito y la fama antes pero, a pesar de que muchos los consideran rivales, fueron ellos quienes recomendaron a los Stones a cada persona importante que empezaban a conocer en el mundo de la música. Y por una recomendación de Harrison a Dick Rowe (Un productor que había rechazado anteriormente a Los Beatles), consiguieron su primer contrato discográfico.

El resto es historia.

Las colaboraciones entre ambos:

1963

Los Beatles entregan a los Stones la canción “I wanna be your man”, quienes la graban primero. Fue el primer éxito de los Rolling Stones.

1966

En la canción “Yellow Submarine” de los Beatles, Brian Jones aportó con coros y un efecto de vasos chocando.

1967

En la canción “Baby, You’re a Rich Man” de los Beatles, Mick Jagger aportó con coros.

En “All you Need is love”, de los Beatles, Jagger y Richards aportaron con coros. En el minuto 3:07 se puede escuchar la voz de Jagger gritando “iieee hey!”.

En la canción “We love you” de los Stones, Lennon y Mc McCartney aportaron con coros.

En la canción “You know my name (look up the number)” de los Beatles, en el minuto 3:51 comienza un saxo tocado por Brian Jones.

1968

Lennon participó de la película/concierto “The Rolling Stones Rock and Roll Circus” como parte integrante de la banda “The Dirty Mac” donde tocó “Yer Blues” con Clapton en guitarra, Mitchell en batería y Richards en el bajo. Luego, en 1996, salió el disco.

2023

En la canción “Bite my head off” de los Stones, Paul Mc McCartney toca el bajo.

La participación de George Martin en las canciones de los Beatles

George Martin, más allá de ser el productor en todos los discos de los Beatles (salvo “Let It Be” que lo termina produciendo Phil Spector) también tuvo una activa e influyente participación como músico en las canciones. Ya sea directamente (tocando él mismo instrumentos) o indirectamente (dirigiendo a orquestas o a músicos cesionistas). Son por estas participaciones que lo bautizaron (merecidamente): El quinto Beatle.

En este gráfico, se puede ver el porcentaje de participación como músico por año:
 

1963-1964 (Please please me, With the Beatles, A Hard Day's Night y Beatles for sale)

El Piano era el instrumento fundamental del rock and roll de los años 50´s. Jerry Lee Lewis, Little Richard, Fats Domino eran sus referentes que lo tocaban.  Sin embargo, ninguno de los Beatles (hasta ese momento)  tocaba el piano.
Por lo tanto, la escases de teclados en una banda con muchas guitarras, motivo a que este instrumento tuviera un lugar privilegiado sin que hiriera susceptibilidades entre los integrantes. 
George Martin había estudiado piano en la Escuela Guildhall de Música y oboe (con la madre de Jane Asher, futura novia de Paul).
Sus primeras apariciones fueron como músico directo tocando el Piano (y en menor medida el órgano Hammond y la celesta). La mayoría son tímidos arreglos y acompañamientos. 

Tocó el piano en: “Misery”, “You Really Got a Hold on Me”, “Not a Second Time”, “Money”, “A Hard Day's Night”, “No Reply”, “Rock & Roll Music”, “Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey” y “What You're Doing”. También tocó la celesta en “Baby It's You” y el órgano Hammond en “I Wanna Be Your Man”.

Tuvo una participación directa con un promedio, entre los cuatros discos, del 19.77%

1965- Help!

George Martin va a tocar el piano (y otros teclados) en las canciones de los Beatles hasta el final.  Sin embargo, a partir de 1965, comenzaron a aparecer otros instrumentos de la música clásica pero que no estaban relacionado directamente al rock. Esto género, en un principio, algo de rechazo en los Beatles pero rápidamente fueron convencidos por Martin.
Lo primero que se grabó fue el solo de flauta Traversa en "You've Got to Hide Your Love Away” (tocado por un músico cesionista). Pero lo más importante,  fue el acompañamiento del cuarteto de cuerdas dirigidos por Martin en “Yesterday”. 

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 21.42%

1965-Rubber Soul

En “Robber Soul”, no aparecen flautas traversa ni cuartetos de cuerdas. George siguió tocando el piano, el órgano Vox y el piano eléctrico, con el cual da un gran paso como quinto beatle: Toca el solo de “In My Life”. 

Tuvo una participación directa con un promedio del 21.42%

Y acá, tengo que hacer un paréntesis. Estamos tan acostumbrados a escuchar las canciones de los Beatles, que ya las adoptamos como normales en todos sus aspectos. Pero, si escuchamos bien, ese solo de piano eléctrico no es para una canción pop o rock de los 60’s. Ese piano es de estilo Barroco clásico. Los Beatles, de a poco, comenzarán a mezclarse con arreglos de música clásica barroca (responsabilidad de Martin) para crear un nuevo estilo, el cual serán recordados por siempre: Rock barroco.

1966- Revolver

En “Revolver”, George se tomó la revancha y volvió con un octeto de cuatro violines, dos violas y dos violonchelos para “Eleanor Rigby” y  un quinteto de tres trompetas y dos saxos tenores para “Got to Get You into My Life”.
Además tocó el piano en “Tomorrow Never Knows” y el órgano en “Got to Get You into My Life”. Y para no perder el terreno ganado en “Robber soul”, tocó el solo de piano en “Good Day Sunshine”.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 35.71%

1967-Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Magical Mystery Tour

Como venimos viendo, el porcentaje de participación de George Martin va creciendo lentamente, pero en Sgt. Pepper's y Magical Mystery Tour, da un gran salto llegando a marcar el punto máximo.
En todo 1967, solamente en “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)”,  “Your Mother Should Know“,  “Flying” y “Baby You're a Rich Man”  no participó como músico. O sea,  de las 24 canciones de ese año, participó en 20.
Tocó el Piano, Órgano, Clavecín, Armonio y Glockenspiel. Y dirigió Cornos franceses, Arpas, violines, violas, violonchelos, chelos, contrabajos, clarinetes, clarinetes bajos, saxofones, trombones, trompetas, oboes, fagots, Flautas dulces y traversas, tubas, timbales, trompas, picolos, fiscornos y cornos ingleses.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 87.55%

1968-Álbum Blanco

Los Beatles estaban disfrutando del éxito de “Sgt. Pepper”, cuando de repente, murió Brian Epstein. Tristes, decidieron escapar a la India para meditar. 
Esa experiencia los influenció en la idea de despojarse de lo material y esto se vio reflejado en su próximo álbum. 

Decidieron hacer lo opuesto a Sgt. Pepper y buscaron la simpleza. Desde la tapa (toda blanca), el título (simplemente “Los Beatles”) y un sonido más acústico y menos barroco.
George Martín tocó el piano en “Rocky Raccoon”, “Good Night” y el armonio en “Cry Baby Cry”. Y dirigió orquestas y a otros músicos en: “Glass Onion”, “Piggies”, “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, “Martha My Dear”, “Mother Nature's Son”, “Revolution 1”, “Honey Pie”, “Savoy Truffle” y “Good Night”.

Claramente, la participación de Martin bajó ya que era el concepto de este disco en contraposición con el anterior. De todas maneras, la participación directa o indirecta fue del 36,66%

1969- Yellow Submarine

“Yellow Submarine” fue un disco que se editó como parte de la película lanzada un año antes. Fue más una obligación contractual que un álbum. 

Hay pocas canciones nuevas de los Beatles (que eran las que no habían entrado en discos anteriores). 
En “It's All Too Much” vemos el aporte de Martin con Trompetas y clarinetes en una canción de los Beatles, pero luego, todo el lado B son sinfonías para la película completamente escritas y dirigidas por él. 

No sé, si en la historia de la música, un productor publicó siete canciones enteramente propias en un disco que estaba produciendo para otra banda.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 61.53%

1969-Let It Be

“Sgt. Pepper” había logrado lo que ningún disco de música había logrado. Fue un gran éxito. Aclamado por los fans y las críticas. Habían sellado su sonido rock/barroco con un disco y una tapa acordes a ese estilo. Pero también, llegaron las críticas. 

Sgt Pepper tiene un 92,3% de participación de George Martin. La crítica giraba en que, la gran mayoría de los arreglos barrocos, no habían sido compuestos ni tocados por los cuatro de Liverpool. Esto comenzó a sembrar dudas sobre su capacidad como músicos.

Esta crítica hirió notablemente al ego de Paul y decidió crear un disco en respuesta.
“Let It be”, en un comienzo, se iba  llamar “Get back” (Volver)  porque la idea era grabar un disco como lo hicieron con “Please please me” (volver a tocar en vivo todas las canciones seguidas en una tarde sin otros músicos).

Grabar un disco de esa manera, implicaba que no iba a ver tiempo para orquestas u arreglos complejos. Iban a  ser ellos cuatro con sus cuatro instrumentos tocando en vivo. 

De esta manera, Paul se aseguraba que todos supieran que ellos tocaban y cantaban sin ayuda de nadie. Pero no sólo le preocupaba eso. Además, decidió grabar en un estudio de televisión las sesiones de grabación para que todos supieran que ellos también componían sin ayuda de nadie.
Claramente el “sin ayuda de nadie” era una manera de referirse a George Martin.  El productor sintió este clima hostil hacia su persona durante las sesiones y al no sentir que lo respetaban, decidió renunciar. 

Por eso, el disco lo termina produciendo Phil Spector (Quien sí, coloca arreglos de orquesta sin el consentimiento de Paul. Y es por eso, que en 2003, McCartney sacó “Let It Be - Naked”)

No sólo se fue el productor, también lo hizo el guitarrista. Harrison se marchó al no querer lidiar con la arrogancia de Paul. Pero a diferencia del productor, el guitarrista volvió. 
La vuelta de Harrison trajo condiciones que dieron muerte al proyecto “Get Back” que termina mutando en lo que conocimos como “Let It Be”.

La participación de George Martin fue prácticamente nula.

1969-ABBEY ROAD

Durante la grabación “Let it be”, el clima áspero se fue incrementando y decidieron tomar un respiro para calmar las aguas lo que dejó el proyecto sin finalizar (Lo harán recién en 1970 cuando se termina lanzando el disco ya separados.)

Los Beatles se tomaron vacaciones. Paul y John aprovecharon y se casaron con sus respectivas novias (Yoko y Linda). Y quizás, gracias a esto, ambos volvieron a Londres con paz y ganas de reconciliarse. 
Un día, John le tocó el timbre a Paul y limaron asperezas. Luego, compusieron y grabaron juntos: “The Ballad of John and Yoko”. Fue durante estos días de reconciliación, cuando decidieron llamar a George Martin para grabar el próximo disco.

Martin aceptó pero con la condición de que se trabaje como lo solían hacer antes. Todos aceptaron y se volvieron a ver en Abbey Road. 

Todo salió perfecto. El clima de trabajo fue el ideal y el nivel de composición insuperable. Quizás, todo salió bien porque sabían, en el fondo, que estaban grabando el último disco de la banda.

George Martin regresó como en las viejas épocas y se sentó frente a los teclados. Tocó el Organo HAmmond en “Maxweal silver hammer”, el clavicémbalo eléctrico en “Because” y  el órgano Lowrey en “Sun King”.
También dirigió orquestas y músicos en: “Something”, “Here came the sun”, “Golden Slumbers”, “Carry That Weight” y  “The End”.

Una participación directa e indirecta con un promedio del 50%

George Martin y los Beatles en las sesiones de Sgt. Pepper.

Antes de los años 60s, el productor musical era visto más como un técnico, cual trabajo era lograr que se grabaran bien los instrumentos y las voces. Pero George Martin (y otros colegas) comenzaron a involucrase más en las canciones y sus integrantes logrando que suenen mejor. Y este es el trabajo actual del productor musical. 

Hoy en día, el productor es sumamente respetado, de Igual o mayor manera que los músicos. Si una banda quiere grabar un disco,  lo primero que piensan es a que productor llamar. El mismo, se involucra de la misma manera que lo hacía Martin, pero quizás antes no estaba tan bien visto. George se adelantó a su época. 

Tengamos en cuenta que George Martin había estudiado música clásica y trabajaba con orquestas de música clásica. Ese era su fuerte.  

De repente, en 1962, le enviaron cuatro jóvenes con guitarras eléctricas y un nuevo sonido al cual todas las compañías discográficas rechazaban. Pero Martin aceptó y seguramente nunca había tocado una guitarra eléctrica en su vida.

Creo que George Martin quedó deslumbrado. Fue un admirador de las composiciones de los Beatles. Realmente fue un fan. Y como productor, trabajó intensamente para que esas canciones suenen mejor. Y claramente, su aporte fueron arreglos de música clásica, porque ese era su mundo.

El vínculo entre George Martin y los Beatles es un gran ejemplo del modo actual de trabajo entre productores y músicos. El productor trata de guiar a la banda hacia un mejor sonido y eso puede herir susceptibilidades. Pero no creo que un productor sea el creador de un artista. Los artistas entran al estudio con excelentes canciones pero no pueden saber todo. Hay ciertos arreglos y detalles que ellos no logran ver. Si los artistas hicieran todo, no existirían los managers, técnicos, fabricantes de instrumentos, sonidistas, iluminadores, prensa, etc…

¿Qué hubiera sido de los Beatles sin Brian Epstein? Seguramente hubieran tocado toda su vida en el Cavern. O no, no lo sabremos. Pero él hizo que le mundo los conociera. 

En el caso del productor musical y el sonidista, es más sensible el asunto, porque se están “metiendo” directamente con sus canciones. Por eso esas relaciones de amor/odio.

Entonces, las canciones son creaciones de los Beatles pero es verdad que el aporte “Barroco” dentro del sonido rock/pop es responsabilidad de Martin. Nunca sabremos bien cuál fue el grado de participación de los Beatles en los arreglos. Seguramente, varios fueron ideas de ellos que se los transmitían "tarareando" a Martin para que los escriba y los dirija. 

Lo importante, es que el trabajo de George Martin era lograr que las canciones de los Beatles sonaran mejor, y bien que lo logró.

¿Qué hace que una canción sea buena o mala? (Happinness is a Warm Gun)

En el mundo de la música hay canciones malas y canciones buenas. Muchas veces, simplemente lo sabemos y declaramos una canción como tal pero no sabemos bien como argumentarlo.

¿Qué hace que una canción sea mala o buena?

La música debe generar un viaje. Debe generar emociones. Debe ser una montaña rusa de sensaciones (como todo arte).

Esto se debe lograr en la composición. El músico está provisto de infinitas notas, infinitos acordes, infinitos ritmos, infinitas melodías, infinitos tempos, infinitas letras y una infinita combinación de todos. Que una canción sea aburrida, es claramente culpa del compositor.

Cuando la gran mayoría declara que los Beatles eran una gran banda, es porque se ve reflejado en sus composiciones.

Lennon escribió “Happiness is a warm gun” en 1968. Nació del título de una revista de armas que le mostró George Martin (“La felicidad es un arma caliente”). El título le pareció tan bizarro que se merecía una canción.

La canción está compuesta por 4 partes totalmente distintas. Cada una con diferentes notas, diferentes letras, diferentes tempos y diferentes melodías. Como 4 canciones en una que conectan perfecto. Es un viaje psicodélico por la cabeza de Lennon y un ejemplo de cómo componer bien.

Las 4 partes podrían ser:

1- “She's not a girl who misses much” (00:00 a 00:44)

Es la primera parte que podrida dividirse, a su vez, en dos partes: La intro con la voz y el arpegio de guitarra, y luego, cuando toma impulso con la entrada de los demás instrumentos.

Comenzar una canción con la frase, “Ella es una mujer que no extraña mucho”, es perfecto. Genera una gran incertidumbre. Podría ser el comienzo de un cuento. Poético.

El resto de la letra no se queda atrás, muy psicodélico. Claramente, la mejor letra está en esta primera parte.

El tempo es el clásico 4/4

2- “I need a fix 'cause I'm going down” (00:44 a 1:12)

Y de repente, todo cambia. El tempo se hace más lento pasando a un interesante 3/4. Bruscamente, el clima pasa a ser más depresivo. La letra acompaña con “Necesito una solución porque me estoy hundiendo” o también “FIX” se puede interpretar como una inyección. Lennon nos obligó a salir de nuestro estado de confort y entrar a un pozo.

3- “Mother Superior jumped the gun” (1:22 a 1:34)

Rápidamente nos ponemos a luchar para salir de ese pozo. John nos lleva a un viaje movido de tempos rarísimos. Alterna el 9/10 y el 10/10. Como un estado de euforia y ansiedad.

4- “Happiness is a warm gun” (1:34 a 2:44)

Finalmente, logramos salir de ese pozo y conseguimos la paz. Entramos en una llanura de verde armonía. Volvimos al confort del 4/4 con una combinación de acordes conocida por nuestros oídos y una letra que habla de la felicidad y del amor.

La canción comienza con una sensación de incertidumbre, luego caemos a un pozo, luchamos y finalmente conseguimos la paz. Lennon nos obliga a experimentar todas las emociones del ser humano en tan solo 2:44 minutos.

Red Hot Chili Peppers - “I’m with you”

Después de cinco años, los Red Hot Chili Pepper lanzan un nuevo álbum titulado: “I’m with you” (Estoy con vos) con nuevo guitarrista. Sí, la historia de nunca acabar para los Red Hot, otro cambio de guitarrista y ya van…Josh Klinghoffer será el remplazo del legendario John Frusciante. Ya es la segunda vez en la historia de la banda que John se aleja. La primera fue por razones de drogas y esta vez, aunque no se sabe muy bien, no parece ser por una pelea ya que el nuevo guitarrista es un ex-músico y amigo de Frusciante. Todo parece indicar que fue una recomendación del mismo.Hablando del disco, la grabación tuvo lugar en el East West en Los Angeles y Shangri-La en Malibu, bajo la producción de Rick Rubin, que ya trabajó con la banda en sus cinco álbumes anteriores. De esta manera seguimos en la segunda etapa que se inició con “Californication”, aunque con algunas canciones realmente nuevas. Y eso es lo interesante. Sí, el disco también tiene los temas “Hit´s” con grandes melodías pegadizas con las cuales Red Hot Chili Peppers supo sellar su éxito luego de “One Hot Minute”. Algo que saben hacer muy bien, aunque se nota la ausencia de Frusciante. También hay, por momentos, aires de revivals de música Disco y de álbumes anteriores (recurso que puede llegar aburrir fácilmente). Pero lo que se destaca particularmente en este nuevo trabajo son los nuevos sonidos como los que propone “Did I Let You Know”, en donde apuestan a ritmos más latinos, o “Police Station”, donde se arriesgan a probar con otros estilos musicales. Es en estas canciones donde el álbum huele a búsqueda de nuevos horizontes (quizás por influencia del nuevo guitarrista).La portada es una obra del conocido artista británico Damien Hirst; el mismo que se hizo famoso por hacer de la muerte un concepto central en sus obras, donde se pueden encontrar animales muertos en formol.Atrás quedaron las épocas en donde todo giraba alrededor del  bajo de Flea, y luego, de la sensibilidad de Frusciante. “I’m with you”, aunque encierra varias etapas de su trayectoria, logra también proponer interesantes nuevos sonidos.

1-Monarchy of Roses

La primera canción comienza como si nos hubiesen abierto la puerta a su sala de ensayo, en donde los músicos prueban sus instrumentos esperando para tocar. Luego, los versos me hacen acordar a la intro a lo “Warped” y el estrillo es naif onda Disco haciéndonos acordar que seguimos en la segunda etapa. No se termina de entender que quisieron hacer.

2-Factory of Faith

El bajo de Flea marca la base de toda la canción, casi actuando como un sintetizador, ya que hay un cierto acercamiento a la música electrónica. Una buena melodía aparece de a ratos. La canción cierra pero no deslumbra.

3-Brendan's Death Song

Bajan los decibeles y aparece el sonido acústico de una hermosa guitarra bien tocada con la placentera voz de Anthony. Luego la canción toma vuelo pero respetando las líneas y no aburriendo. La primera canción bien lograda del disco.

4-Ethiopia

Nuevamente el gran bajo de Flea nos da la bienvenida y nos guiará en toda la canción, pero esta vez, con más estilo funk (por suerte). Me hizo acordar, por momentos, a viejas épocas de ellos. La canción logra cerrar bien.

5-Annie Wants a Baby

Otra vez abren con el bajo de Flea, un recurso que todos haríamos si tocaríamos con él, pero el abuso de todo buen recurso aburre. Una canción que intenta todo y no llega a nada.

6-Look Around

Volvemos a los sonidos más clásicos de Red Hot Chili Peppers donde la fuerza y los estribillos pegadizos garantizan sus éxitos. Nada que no hayan hecho antes. Interesante  el aporte de palmas en los compases a lo “Disco” de los 70’s.

7-The Adventures of Rain Dance Maggie

El primer corte. Una canción sumamente pegadiza, tanto el verso como el estribillo, de esas que uno termina tarareando todo el día. Al mismo tiempo es una canción con un espíritu muy positivo, de compañerismo y buena onda. Seguramente lo que quieren transmitir con este álbum, que no por casualidad tiene el titulo que tiene. Muy buena canción.

8-Did I Let You Know

El ritmo de esta canción nos lleva a otros países con timbales, trompetas y coros latinos. Luego una excelente melodía va a terminar de hacer de “Did I Let You Know” una excelente canción. Lejos, de lo mejorcito del disco.

9-Goodbye Hooray

Encierra todo el clásico poder de Red Hot Chili Peppers. Buenas melodías, un clímax que sorprende en medio de la canción y un solo de bajo de Flea. Todo y más de lo mismo.

10-Happiness Loves Company

Un verso con actitud y un estribillo celestial con una melodía inolvidable dan como resultado una canción que no falla. Otro hijo de la receta “cómo crear éxitos” de los chicos de California. Muy buen tema.

11-Police Station

Bajamos el tempo por segunda vez y nos encontramos con nuevos horizontes. Una apuesta a estilos pocos explorados por ellos, pero lo interesante, es que les salió perfecto. Una propuesta muy interesante.

12-Even You, Brutus?

Un acercamiento al rap clásico en los versos con un gran piano y un estribillo con una gran melodía. Es muy agradable el apoyo que brinda el piano en toda la canción. Buena canción.

13-Meet Me at the Corner

Una ola de sentimiento. Puras emociones se apoderan de toda la canción. Buena composición.

14-Dance, Dance, Dance

Una canción que intenta llegar a ser algo sólo por su pegadizo estribillo de “dance, dance, dance” (esperemos no lo logre) Una canción para el olvido.

Para sobrellevar con buena música la crisis en España.

¿Quién hubiera imaginado que el Funk se iba a sentir como en su casa al otro lado del Atlántico?

“Celofunk” es una banda española de Funk, y su principal logro, fue romper barreras limítrofes de estilos bien marcados por su origen.

El proyecto nació hace cuatro años, cuando las hermanas cantantes Susana y Alicia Ruiz (consideradas las reinas del funk madrileño) decidieron dejar de hacer covers  para empezar a grabar un disco con canciones propias. Para eso se unieron a Daniel “txarras” (teclados), José Ángel Herranz (guitarra), Santiago Martín (bajo), Javier Gómez (batería) y Mandela y Álvaro Pérez (vientos).

Luego de meses de composición y grabación, salió el disco tan esperado, que lleva el nombre de la banda. Son 11 temas bien logrados, y que a pesar de pertenecer a una banda de funk, son una mescla de varios estilos. La base principal de todo el disco, es obviamente el Funk Clásico, pero además, por momentos aparecen muy bien definidos el rock, el hip-hop, el funky y el smooth jazz.  Una propuesta muy arriesgada, pero muy interesante, y que por suerte a “Celofunk”, le salió muy bien.

Instrumentalmente la banda cumple perfectamente. La calidad de los músicos se aprecia en pocos segundos. Todo suena bien.  El bajo marca, con buenas líneas, su lugar de guía, aunque su técnica debería ser un poco mayor teniendo en cuenta el estilo y el rol importantísimo que cumple el bajo en el mismo.

Las guitarras tienen un gran aporte, ya que son las que más mérito se llevan a la hora de pasar de un estilo a otro. Saben marcan su rol de acompañamiento en el Funk Clásico con acordes tapados y wah-wah, y al mismo tiempo, saben sobresalir con riffs y solos en los momentos de rock. Y todo esto se puede dar en una misma canción.

La batería consigue un sonido impecable, adaptándose sin ningún problema, a cada transición. Hay algunos solos donde se demuestra su gran técnica y lugar en la banda, pero todo sin generar abuso.

El Hammond es otro instrumento de suma importancia en el Funk, y “Celofunk”, está enterado de eso. Sus incursiones sigilosas generan el Groove y la sensualidad necesarias a la banda española.

Las hermanas Ruiz cautivan con sus voces. Buena entonación, afinación, rango, color y armonías. Lo único flojo podría ser el uso del inglés, donde reina una pronunciación muy floja y una dicción insegura al terminar las frases. Quizás hacer canciones en otro idioma, y cantado por negras, no les permita llegar a lugares comunes dentro del Funk Clásico Americano al cual quieren llegar si o si. Susana y Alicia cantan muy bien, y es una lástima, que por insistir en imitar lo clásico, cometan errores totalmente evitables.

“Celofunk” es una gran banda de Funk, con buenas canciones, buen sonido y que logran sorprender cuando fusionan varios estilos, a pesar de que su lugar de origen, poco y nada, tiene que ver con el Funk. Su disco debut no decepcionará a los amantes del género, y seguramente, seduzca a otros a adentrarse en el mismo, ya que es sumamente agradable al oído común.

Un buen disco para apaciguar la crisis que acongoja a España.

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Say It Loud

El disco abre con un tema que intenta no fallar como apertura. Un Funk clásico con mucho Grovee y con una letra un tanto naif que nos invita a bailar.  Es un logro aceptable para abrir un disco de Funk.

7 Luchos

 Give It To Me

Sin lugar a dudas, uno de los mejores temas del disco. En “Give to me”, Celofunk propone mezclar dos estilos diferentes: El Funk y el Rock. Y es aquí donde se destacan, ya que el producto final es muy bueno.  Los  versos son puro Funk, cuando de repente, un puente nos lleva a un estribillo de puro rock. Los solos de guitarra son de rock pero tocados en la base de funk. Increíble tema, buena propuesta.

9 Luchos

Let The Monkey Out

Dicen que los temas que empiezan con el estribillo no tienen mucho más para ofrecer. Pero a pesar de ser este uno de esos casos, donde los versos sólo están para poder introducir los estribillos, el mismo es excelente. Una melodía alegre, con mucho funk y altamente adictiva.

8 Luchos

Da Freedom Rhythm

El tema se inicia con el bajo, rey y única estrella de este estilo, marcando su línea que guiará a toda la banda en la canción. Tempo elevado, guitarras wah-wah, solos de batería, coros y vientos.  Un Funk bien armado para que no falle.

8 Luchos

This Situation

Bajan los decibeles en “This Situación”, y el Hammond, nos introduce a la sensualidad del Funk que se va a apoderar de la mitad del disco. 

La voz intenta llegar a lugares que no domina y eso lo hace menos disfrutable. Sin embargo, logra cambiar el clima del disco ofreciendo algo distinto a lo que se viene escuchando.

7 Luchos

Mambo Bone

Un tema que pertenece a lo sensual del Funk, pero con un poco mas de groove. Muy buena instrumentalización. La batería se destaca en todo el tema con sus contratiempos y fills. Lamentablemente la voz, nuevamente,  está demostrando cierta inestabilidad en un género dónde la voz blanca tiene que pedir permiso constantemente.

6 Luchos

Can You Tell Me

La última de las sensuales. Una canción, que con pocas luces, no logra aportar mucho más. Claramente su fuerte son los Funk de tempo elevado.

5 Luchos

Turn The Lights On

Salimos de la sensualidad de la mitad del disco y volvemos a los tempos altos. “Turn The Lights On” tiene una estructura muy similar a “Let The Monkey Out”.  Todo gira entorno de un estribillo pegadizo y bien logrado. No mucho más que eso. Un tema más bien Funky. Cumple.

6 Luchos

You Gotta Look Inside

Nuevamente, y haciéndose desear un poco, el Rock se vuelve a mezclar con el Funk.  La base de la canción  va a mantener el Funk, pero un fuerte Riff va a bañar la canción con aires Rockeros de los 70’s a lo “Cream” de Eric Clapton. Interesante.

7 Luchos

Over The Moon

El disco termina de una manera muy interesante y muy bien lograda. Al principio, una base de bajo distorsionado nos invita a caminar por la cornisa entre un Funk bien oscuro y un Hip-Hop, para luego, en el minuto 3:45, cambiar todo y finalizar con un acercamiento al Smooth  jazz.

CeloFunk se despide mesclando varios estilo en una misma canción, casi como definiendo su estilo tan particular en un género tan estructurado.

9 Luchos

Disco: 8 Luchos

Interpol- Turn On The Bright Lights

Interpol es una banda estadounidense de Indie Rock formada en 1998 por Paul Banks (vocalista, guitarra), Daniel Kessler (guitarra) y Sam Fogarino (batería).

Los neoyorquinos lanzaron su disco debut titulado: “Turn On The Bright Lights”. El mismo posee 11 canciones bien logradas de puro rock británico oscuro.

Técnicamente la banda es excelente. Guitarras que se complementan perfectamente y con un sonido celestial. El bajo tiene unas líneas muy interesantes y una presencia firme en todo el disco (Lo interesante es que no poseen bajista, por lo tanto son los guitarristas los que lo grabaron. Esto le suma más merito a los muchachos). Las baterías de Sam son realmente un sueño. Mucho fill, mucho agregado, mucho corcheas negras, pero sin embargo, nunca suena sobrecargado. Un baterista que hace todo lo que se puede hacer con una batería en este estilo de canciones. Sin lugar a dudas, la columna vertebral de la banda.

Las canciones son, en su totalidad, obras de Paul. Un estilo definitivamente oscuro para las letras, ya que hablan de desamor, depresión, suicidio y situaciones límites; y un estilo melancólico para los sonidos, que son guiados por su inconfundible voz nasal.

El arte de tapa logra describir, en una imagen, a la banda, y al mismo tiempo, ser un concepto interesante artísticamente. Es un cartel de un apasionado rojo que se encuentra muy bien iluminado, como si estuviera al costado de una autopista solitaria con un fondo más negro que la propia noche.

La directora Floria Sigismondi les dirigió su primer video clip del primer corte del disco: “Obstacle 1”. El video sintetiza, en imágenes, la frialdad, la sensualidad y  la oscuridad que nos ofrece la canción.

Interpol se nos presenta, en “Turn On The Bright Lights”, como una banda interesante, con buenas canciones, y sobre todo, gran técnica. Esperemos no abusen de ciertos recursos que logran manejar bien, ya que por momentos se hace algo aburrido. Su especialidad son el clímax y las canciones melancólicas. Una excelente propuesta para los amantes del oscuro rock británico.

1-“Untitle”

El track uno nos da la bienvenida al disco, nos prepara, y por sobre todo, nos genera el clima de lo que será el mismo. “Untitle” es eso, un excelente clímax que nos introduce en el mundo de Interpol.

2-“Obstacle 1”

Aquí se denuncia el enorme talento de composición y técnica musical de esta banda.  Todo suena bien. Ambas guitarras son certeras, tocadas con gran prolijidad, y lo más importante: se complementan. Cada una tiene su espacio y su función vital en la canción. Por momentos no se distingue cual es la primera y cual la segunda. El contratiempo es su gracia en esta obra.

La voz ronca Paul Banks nos da la bienvenida con lo que serán una seguidilla de letras oscuras.

Las líneas de bajo despiertan el interés y la sorpresa de cualquier oyente.

La batería suena a más no poder. Todo lo que se puede hacer con una batería en esta canción, se hace. Hasta tienen su propio solo.

Su primer corte con video clip.

3-“NYC”

Baja el tempo, baja el volumen y aparece su ciudad natal: “NYC” (New York Cares). Se genera un clima sensorial con guitarras celestiales, una batería con gran presencia, una voz que nos trasporta y coros bien logrados. Quizás una letra en referencia al 11-S, auque algo pornográfico por momentos. En fin, lo seguro es que es una hermosa canción melancólica.

4-“PDA”

Corcheas negras empiezan a bombardear al disco. Entramos en aires más monótonos del actual brit-pop (a lo Strokes)  pero luego el estribillo nos regala una hermosa melodía, que rápidamente se va, dejándonos con ganas de más. Nuevamente, por momentos, se busca generar buenos clímax en medio de letras muy oscuras.

5-“Say Hello to the Angels”

Al escucharlo me vino a la cabeza a “The Smith´s”. La canción se resume en esa unión: El rock británico melancólico de Interpol mezclado con el pop británico melancólico de The Smiths´s. Interesante propuesta.

6-“Hands Away”

Otro clímax, pero no tan bien logrado como “Untitle”.

7-“Obstacle 2”

Una de las letras más oscuras del disco. La depresión, la idea de suicidio, las drogas, el alcohol y el amor de una chica como única salida (menos mal). Musicalmente deja mucho que desear; aunque lo hacen muy bien, más de lo mismo.

8-“Stella Was a Diver and She Was Always Down”

El famoso “Tema relleno”. Lamentablemente otra canción que deja mucho que desear, y auto-citándome, “aunque lo hacen muy bien, más de lo mismo” y eso aburre.

9-“Roland”

Un post punk revival. La canción logra su cometido y tiene momentos bien logrados cuando dialogan las voces con la batería. Logra levantar el prestigio del disco luego de dos canciones para el olvido.

10-“The New”

Nuevamente nos regalan otra gran canción lenta con aura. La voz nos trasporta al cerrar los ojos. Esas canciones que te obligan a pensar en cosas personales.

11-“Leif Erikson”

Y como no podía ser de otra manera, Interpol cierra su disco debut con una canción lenta, melancólica, oscura y excelentemente lograda. Queda demostrado que en este estilo los neoyorquinos se destacan, y es por eso, que buscan un lugar en el reconocimiento masivo.