"SPENCER" (2021)

 

La película se basa en los últimos días de convivencia entre Diana y la familia de su esposo, Carlos. Centrándose en la tensión que llevará al quiebre definitivo de la princesa con la realeza inglesa.

Este conflicto sólo la vamos a ver desde la perspectiva de Diana en toda la película. Y esto es muy interesante, porque da la sensación de que Diana estuviera sola en este gran castillo. La familia real casi no aparece en la película, pero no porque no estuvieran en la casa, sino porque evitaban cruzarse con ella y viceversa.

No existen escenas de otros personajes hablando entre ellos, y menos, hablando de Diana. Por lo tanto, no tenemos ninguna referencia de lo que los demás opinan sobre ella en ese momento tan conflictivo. Solo, a través del control que ejercían los empleados de la reina hacia Diana, podemos darnos cuenta de la postura de la misma: La perseguían para que se vistiera, para que bajara a cenar a tiempo, le clausuraban las ventanas, la perseguían en los campos y evitaban conversar con ella. Todos, menos su vestuarista Maggie. Ella era su confidente junto a sus hijos.

No solo la familia real es su enemigo, la comida también. Casi como un personaje más, la comida está muy presente en toda la película haciendo referencia a su pelea contra la bulimia. Diana lucha contra la Reina, Carlos, el mayordomo, la sopa, Camila y contra ella misma...

Intenta buscar refugio en su infancia.  A través de metáforas de su casa de la niñez y un abrigo de su padre, busca pequeñas caricias de felicidad pasada y explicaciones del presente.

Diana se da cuenta de que la ven bonita y tonta, como a los faisanes que crían sólo para poder cazarlos como protocolo de entretenimiento. Finalmente, entiende cual es el lugar que la familia real esperaba de ella, sin embargo, no los complacerá.  

Un excelente guion que utiliza varias metáforas y elementos de fantasía, pero que no llegan a ser abusivos, y ayudan a  describir el estado mental de Diana. 

La fotografía y la música son dos personajes principales más. Tomas muy cuidadas en los encuadres, composición, iluminación y colores. Y la música, que no es tradicional, termina envolviendo todo para que vaya en el mismo sentido.

Colaboraciones entre los Rolling Stones y los Beatles

Los Stones y los Beatles siempre estuvieron muy unidos.

Los Beatles consiguieron el éxito y la fama antes pero, a pesar de que muchos los consideran rivales, fueron ellos quienes recomendaron a los Stones a cada persona importante que empezaban a conocer en el mundo de la música. Y por una recomendación de Harrison a Dick Rowe (Un productor que había rechazado anteriormente a Los Beatles), consiguieron su primer contrato discográfico.

El resto es historia.

Las colaboraciones entre ambos:

1963

Los Beatles entregan a los Stones la canción “I wanna be your man”, quienes la graban primero. Fue el primer éxito de los Rolling Stones.

1966

En la canción “Yellow Submarine” de los Beatles, Brian Jones aportó con coros y un efecto de vasos chocando.

1967

En la canción “Baby, You’re a Rich Man” de los Beatles, Mick Jagger aportó con coros.

En “All you Need is love”, de los Beatles, Jagger y Richards aportaron con coros. En el minuto 3:07 se puede escuchar la voz de Jagger gritando “iieee hey!”.

En la canción “We love you” de los Stones, Lennon y Mc McCartney aportaron con coros.

En la canción “You know my name (look up the number)” de los Beatles, en el minuto 3:51 comienza un saxo tocado por Brian Jones.

1968

Lennon participó de la película/concierto “The Rolling Stones Rock and Roll Circus” como parte integrante de la banda “The Dirty Mac” donde tocó “Yer Blues” con Clapton en guitarra, Mitchell en batería y Richards en el bajo. Luego, en 1996, salió el disco.

2023

En la canción “Bite my head off” de los Stones, Paul Mc McCartney toca el bajo.

Los Pueyrredón (Padre e hijo)

Juan Martin de Pueyrredón y Labrucherie era un francés convertido en soldado español que logró, a los 25 años, una licencia para poder comerciar con España en las indias occidentales. Corría el año 1763 y se mudó a Buenos Aires.

En el incipiente pueblo porteño, abrió una casa de exportación y sus negocios prosperaron. En 1766, en la catedral de la ciudad, se casó con la criolla Rita Damasia Dogan y Soria y tuvieron 11 hijos. El sexto, fue Juan Martín Mariano Pueyrredón Dogan nacido en 1777 (un año antes que su amigo San Martin y ambos morirían en 1850).

A los Pueyrredón les iba muy bien en el monopolio comercial con España. Es por eso, que lograron enviar a Juan Martin a estudiar y participar del negocio familiar a Europa. Pueyrredón viaja en 1795 y es testigo del ascenso de Napoleón, y consecuentemente, de las guerras napoleónicas.

A comienzos de SXIX, los ataques de la flota británica a la española y francesa iban en aumento. Y en 1804, con el hundimiento por parte de Inglaterra a un barco de pasajeros provenientes de América, España le declara formalmente la guerra a Inglaterra.

España y Francia se alían contra Inglaterra que pretendía las rutas comerciales del atlántico.

Es en ese momento, cuando Pueyrredón decidió volver a Buenos Aires a defender su negocio familiar en tiempos de guerra con Inglaterra. Llegó en 1805, justo antes de la primera invasión inglesa, y con su gran fortuna, logró formar un pequeño ejército (futuro cuerpo de Húsares).

Húsares de Pueyrredón

Finalmente, los ingleses invadieron Buenos Aires en 1806. Pueyrredón, con su ejército personal, intentó retomar la ciudad pero los ingleses lo descubrieron antes y lo vencieron en la famosa batalla de Perdriel (1 agosto 1806). Pueyrredón escapó a Montevideo donde se reunió con Liniers que había ido a buscar soldados españoles para la reconquista. Ambos retomaron Buenos Aires el 12 de agosto de 1806 y se convirtió en un héroe.

Aprovechando su momento de fama, su porte social, y sus contactos con España, el Cabildo lo nombró representante para enviarlo a Madrid en noviembre. Su misión era poder contarle al Rey que habíamos vencido a los ingleses pero que seguían en el Rio de la plata por lo que necesitábamos una flota española con soldados y armas.

Pueyrredón, no logró su cometido porque España estaba sumergida en grandes problemas: Primero, la guerra contra Inglaterra, que luego de la batalla de Trafalgar, ya no poseían ni un barco. Y segundo, la invasión de su aliado Napoleón en 1808.

De hecho, Juan Martin es testigo de los acontecimientos del 2 y 3 de mayo de 1808 inmortalizados en los cuadros de Goya y en la memoria española.

Ante esta situación, y desilusionado con España, Pueyrredón decidió volver a Buenos Aires.

Arribó a Montevideo en enero de 1809 y fue puesto preso por el gobernador español Francisco Javier de Elío por “sospechoso”. Logró escaparse a Brasil y volver a Buenos Aires. Pero, para su suerte, ya se encontraba Cisneros como virrey y fue, nuevamente, puesto preso, y nuevamente, se escapó al Brasil. Allí, participó de la propuesta Carlotista.

Recién llegó a Buenos Aires en junio de 1810, un mes después de la revolución de mayo. En agosto fue nombrado gobernador de Córdoba (que estaba atravesando una situación de crisis política porque recientemente habían fusilado a Liniers que residía en esa ciudad). Y en enero de 1811, fue nombrado gobernador de Chuquisaca (que también atravesaba una situación de crisis por la derrota crucial en la batalla de Huaqui).

La pérdida del alto Perú, generó la disolución de la junta grande y la creación de un triunvirato. Ante la renuncia de uno de sus miembros, Juan Martin ocupó el puesto.

Llegó el año 1812, y fue un momento bisagra para nuestra historia y la de Pueyrredón: arribó a Buenos Aires, San Martin.

A pesar de que ambos eran masones, y de que fue Pueyrredón el que ordenó la creación del cuerpo de granaderos especialmente para San Martin, el triunvirato estaba liderado por Rivadavia, enemigo de San Martin.

Rivadavia poseía una postura pasiva con España y ordenaba no luchar. Pero Belgrano, y luego de desobedecerlo, generó las victorias de Salta y Tucumán. Esto desencadenó una revuelta política generando la revolución de octubre.

Pueyrredón, por ser miembro del gobierno de Rivadavia, quedó como un “opositor” de San Martin y fue desterrado a San Luis donde se alejó de la política y se dedicó al campo.

Tuvieron que pasar dos años para que San Martin pidiera reunirse con él. El objetivo fue buscar su apoyo para llevar a cabo el principal objetivo de San Martin en estas tierras: Expulsar a los españoles de Lima. Pero para eso, faltaba declarar la independencia y juntar recursos para cruzar los andes, liberar Chile, y luego por mar, liberar Lima (Plan de Maitland). Juan Martin de Pueyrredón iba a ser clave en ambas.

En 1815 se reincorporó en la política y viajó a Buenos Aires donde se casó con Calixta Tellechea y Caviedes (hija de uno de los ajusticiados de 1812). Ambos se mudan la casa de ella en San Isidro (Hoy museo de Pueyrredón).

"ví una niña, me agradó, nos comprometimos, y hoy hacen ocho días que me casé con doña mariquita tellechea y caviedes, joven que aún no cuenta catorce años, educada en los mismos principios de nuestras familias, y acostumbrada al recogimiento y a la virtud".

En 1816 se lleva a cabo el congreso de Tucumán. Con el apoyo de San Martin y Güemes, participa como diputado de San Luis y es elegido como el próximo director.

Juan Martin de Pueyrredón asume el directorio desde 1816 a 1819. Y es aquí donde desarrolló todo su apoyo a San Martin, la masonería y su plan de llevar a cabo el plan Maitland. Gracias a Pueyrredón, muchos recursos de la nación fueron destinados al cruce de los andes. Esto recibió muchas críticas, porque en una situación de crisis económica y política, estábamos gastando recursos en liberar a países que no podían hacerlo solos (recordemos que Argentina liberó Chile y Perú pero no anexó a ninguno).

Pueyrredón se arriesgó mucho en esta colaboración con San Martin, y es ahí, donde se forjó su amistad.

« (…) Van 400 recados. Van hoy por correo, en un cajón, los dos únicos clarines que se han encontrado. Van los 2000 sables de repuesto que me pide. Van 200 tiendas de campaña o pabellones. Y no hay más. Va el mundo. Va el demonio. Va la carne. Y no sé yo cómo me irá con las trampas en que quedo para pagarlo todo o bien que entrando en quiebra, me voy yo también para que usted me dé algo del charqui que le mando. ¡Y qué caray! No me vuelva a pedir más, si no quiere recibir la noticia de que he amanecido colgado en un tirante de la fortaleza de Buenos Aires…”.

Y no solo fue clave para la independencia americana en nuestras tierras, sino que también lo fue en España. En 1819, Pueyrredon en persona, se encargó de financiar y colaborar con el “Pronunciamiento de Riego” que se llevó a cabo en Cádiz. El mismo, fue un levantamiento militar español contra Fernando VII generando el final del deseo de recuperar las colonias de América.

El congreso de Tucumán también sancionó la creación de una constitución. En 1819 se escribió la primera constitución argentina. Pero la misma, era tan unitaria que generó un fuerte rechazó en el interior promoviendo la renuncia de Pueyrredon al directorio. Otra vez, será puesto preso por el gobernador de Buenos Aires, Sarratea. Pero fue solo una movida política, el mismo Sarratea (que habían sido compañeros en el triunvirato) lo ayudo a escapar y se refugió en Montevideo.

Finalmente, la constitución sería rechazada en su totalidad y se iniciaría la anarquía del año XX.

Volvió a Buenos Aires en 1821, y cuando Rivadavia fue presidente, esté lo nombró miembro de la Comisión Militar encargada de la reforma del ejército.

Luego del fusilamiento de Dorrego, intentó mediar entre Lavalle y Rosas pero no logró su objetivo. Esa fue su última participación en la política.

En 1823, nació su hijo, el pintor y arquitecto argentino: Prilidiano Paz Pueyrredón.

Los Pueyrredón eran muy amigos de los Ortiz de Rozas, entre otros miembros de la sociedad porteña. Sin embargo, Rosas había decidido expropiar los bienes de todos los ciudadanos franceses (y descendientes) a raíz del conflicto que en ese momento existía con Francia. A los Pueyrredón, no se les llegó a quitar nada por su historia y contactos, igualmente, decidieron exiliarse entre 1835 y 1849. Vivieron a París, Burdeos y Rio de Janeiro.

El negocio de la exportación de cuero permitió que Prilidiano estudiase bellas artes y se recibiera de ingeniero. La situación tensa entre Rosas y Francia llegaría a su fin luego de la batalla de vuelta de obligado (1845).

Finalmente, los Pueyrredón regresaron a Buenos y Juan Martin de Pueyrredón muere en su casa de San Isidro en 1850 mientras San Martin moría en Francia.

“Yo no quiero vida, sin la vida de mi Patria y viviré con ella, y moriré por darle vida”.

Prilidiano, con 26 años. Era un joven de la sociedad porteña al cual recurrían por retratos. Entre ellos se encuentra el de la hija de Rosas, Manuelita de 1851 y su vestido rojo punzó (se encuentra en el bellas artes y fue utilizada para los billetes de 20 pesos).

Manuelita Rosas 1851 (MNBA)

Otro de sus retratos conocidos es el de su prima segunda, Magdalena Mercedes Sinforosa Costa Ituarte, su gran amor. Ante el rechazo de ella, nunca terminó de pintarlo.

Retrato de Magdalena Costa 1851 (Museo Pueyrredón)

Pero si en algo se destacó en la pintura, fue por realizar los primeros desnudos en el río de la plata.

“El Baño” 1865 (MNBA)

“Yo me llamo Pedro Pablo Prilidiano Pueyrredón, pobre pintor que pinta cuadros por pocos pesos"

Aparentemente, con el corazón roto por el rechazo de su prima, se mudó a Cádiz donde tuvo una hija a la cual le puso el nombre de su prima.

Volvió a Buenos Aires en 1854 y se dedicó más a la arquitectura y a la ingeniería. Comenzó con restauraciones (Pirámide de mayo y casa rosada). Luego realizó los planos de la casa quinta de Miguel de Azcuénaga (hoy la quinta presidencial).

En 1862 construyó, como ingeniero, el puente sobre el riachuelo en Barracas. Pero, lamentablemente, esté se derrumbó. Esto le generó un pico de estrés y lo enfermó bastaste. Comenzó la construcción de un nuevo puente pero nunca lo vio terminado.

No sabremos si fue por la muerte de su madre en 1869 o por el malestar de su puente caído, pero su salud se agravó tanto que falleció en la quinta de San Isidro en 1870 con 47 años.

"Cada uno tiene una misión que cumplir en el mundo; la mía es el olvido de mí mismo en favor de los seres amados que me rodean."

Los Pellegrini (Padre e hijo)

Charles Henri Pellegrini y su hijo Carlos, futuro presidente de la Argentina.

Bernandino Rivadavia, durante su corta presidencia (1826-1827), intentó realizar muchos cambios. Entre ellos, construir un verdadero puerto en Buenos aires. 

Para eso, se contactó con Juan Larrea (Ex miembro de la primera junta) que vivía en Burdeos-Francia ejerciendo el cargo de cónsul, para que le consiga un ingeniero hidráulico.

Larrea contrató a un joven Francés llamado Charles Henri Pellegrini que arribó en Buenos aires en 1828.

Para su mala suerte, fue un año de muchos conflictos políticos: Rivadavia había renunciado a su cargo de presidente, se perdió la guerra con Brasil y Lavalle había fusilado a  Dorrego. La inestabilidad era total.

Había un gobierno provisorio a cargo de Viamonte, que claramente tenía otras prioridades antes que la construcción del puerto de Buenos Aires y canceló el proyecto. Charles Henri Pellegrini apenas pudo trabajar unos meses para el reconocido Ingeniero ingles James Bevans en el Departamento de Ingeniería Hidráulica y luego se quedó sin trabajo.

Ante la imposibilidad de trabajar como ingeniero, Charles se las empezó a rebuscar con un don oculto: La pintura.

Comenzó haciendo retratos por poco dinero y luego  se vinculó con el litógrafo César Hipólito Bacle  que era el dueño del "Taller de Litografía e Imprenta del Estado". Entre 1830 y 1835 pintó cerca de 500 retratos. Hasta retrato a Rosas. Algunos de sus cuadros se exponen actualmente en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Bacle era antirosista, y por lo tanto, perseguido por la mazorca. Fue preso y finalmente murió por torturas. Su muerte fue una de las causas aducidas para justificar la intervención francesa de 1838.

Ante esta situación, Pellegrini pausó su labor como retratista y litógrafo por miedo a que le pasara lo mismo que a su compañero.  Se compró la estancia "La Figura" en Cañuelas y se dedicó a la vida de campo.  Tendría que esperar hasta después de la batalla de Caseros (la que alejó a Rosas del país en 1852) para volver a lo suyo como ingeniero.  Su principal trabajo fue la edificación del antiguo Teatro Colón y el diseño de los planos para dotar de agua corriente a la ciudad de Buenos Aires.

Pinturas de Charles Henri Pellegrini en el Museo de Bellas Artes

   

Retrato para Juan Manuel de Rosas (1833)

En 1840, luego de la muerte de su antiguo jefe en el Departamento de Ingeniería Hidráulica (James Bevans) la familia del mismo entró en una profunda pobreza. La viuda y sus hijas, tuvieron la necesidad de dar clases de inglés y de vender las  antiguas herramientas de ingeniería de su padre para poder subsistir. Cuando Charles Henri se enteró de esta situación, no dudo en ir a comprar alguna herramienta para colaborar con la familia de su ex jefe. Fue ahí, donde conoció a su hija, la be­lla Ma­ría Be­vans Bright.

En 1841 se casaron y en 1846 nació Carlos Enrique José Pellegrini. O más conocido como Carlos Pellegrini, Presidente de la República Argentina entre 1890 y 1892. Fue el primer presidente, hijo de inmigrantes.

Charles Henri Pellegrini en el centro, rodeado de su mujer, su cuñada y sus hijos. Detrás de él, en lo alto, el futuro presidente Carlos Pellegrini. 

Desde pequeño, a Carlos Pellegrini le hablaron en inglés y francés. Se cree que primero aprendió esas lenguas antes que el español. Se notaba en su tono al hablar, por eso su apodo “El Gringo” creado por sus compañeros del Nacional de Buenos Aires.

A los ocho años de edad, comenzó a estudiar en la escuela de su tía Ana (Reconocido colegio ingles del barrio de Belgrano). Luego, ingresó a la Facultad de Derecho, pero en 1865 debió incorporarse al ejército para participar de la guerra de la triple alianza contra Paraguay donde tuvo una destacada participación.

Carlos Pellegrini en la Guerra de la Triple Alianza, el más alto detrás de Dominguito Sarmiento.

Al volver de la guerra, terminó sus estudios y se recibió de abogado en 1869. Rápidamente, y gracias a los contactos de su padre, comenzó a trabajar en el estado como subsecretario del Ministerio de Hacienda durante la presidencia de Domingo Faustino Sarmiento (1868-1874).

 Pero su sueño, era participar del Congreso.

Se postuló como diputado en 1871 y 1872 pero fracasó en ambas. Costaba mucho ser electo en épocas donde no existía el sufragio secreto y universal. Fue una época de mucha frustración para él.

Recién, al finalizar el gobierno de Sarmiento,  logró conseguir su lugar en el tan deseado Congreso. Fue el diputado más joven en la historia argentina con 26 años.

En esos años, la vida le había brindado la oportunidad que tanto buscó en la política, pero al mismo tiempo, le quitó a su padre que murió en 1875.

Los Pellegrini se despidieron hasta un nuevo encuentro.

Carlos Pellegrini descansando con amigos.

Foto tapa - "Imagine" - JOHN LENNON - (Yoko Ono)

 

Cuando Lennon tuvo que idear la tapa de “Imagine”, pensó en su amigo Andy Warhol.

El artista pop llegó a su casa y comenzó a sacarle fotos con una polaroid. Fotos de primeros planos de su cara. Aunque las fotos son muy parecida a la que se utilizó para la tapa, la misma, no terminó siendo de Warhol.

Parece, que luego de retirarse Andy, Yoko Ono tomó la polaroid y comenzó a sacar fotos parecidas. Y es una foto de ella la que se terminó usando para la tapa.

Yoko Ono utilizó una técnica artística dentro del mundo de la fotografía: La doble exposición. Esto significa, exponer dos veces el mismo negativo, o en otras palabras, sacar dos fotos en una. Ambas imágenes se entremezclan y genera una nueva.

Una de las fotos es la cara de John y la otra es de un cuadro del artista Geoff Hendricks (artista plástico que pintaba cielos con nubes en múltiples superficies).

El concepto era crear un ambiente onírico para que la tapa pueda transmitir la sensación de que John estuviera “imaginando”.

Foto tapa “Cross Road” BON JOVI - (Anton Corbijn)

Anton Corbijn es un reconocido fotógrafo del mundo de la música, al nivel de haber dejado un estilo que todos copiaron.

Su concepto era salir de la fotografía “glamour” con la cual el resto de los fotógrafos retrataban a los músicos (maquillaje, cambio de ropa, colores, luces artificiales en estudios cerrados).

Corbijn, se arriesgó a ofrecer lo opuesto porque creía que el rock tenía que estar reflejado en las fotos. Desde los 70’s, sus fotos se caracterizaban por ser muy rusticas. Lograba captar una imagen más humana del músico, ya sea en su ámbito, con su ropa, en locaciones reales, al aire libre y con luz natural. Elegía sacar con 35 mm, en blanco y negro, muy granuladas, con mucho contraste y sin trípode.

Composición:

Según la ley de tercios, si dividimos la foto en partes iguales utilizando 4 líneas, dónde se crucen las mismas, serán los 4 puntos de mayor interés de la imagen. Y a su vez, las líneas también son guías de interés. El concepto es lograr dinamismo y un mayor recorrido visual. No tener los elementos en el centro, es más entretenido para la vista. Y si existen dos puntos de interés, se pueden situar en puntos o líneas opuestos.

En esta foto, Jon bon Jovi, ocupa toda la línea de la izquierda. Su cara está sobre el punto de interés superior y el diario en el inferior. El otro punto de interés (el resto de la banda) ocupa el punto de interés opuesto. La ubicación de ambas figuras de interés están en una composición armoniosa.

Luego, hay una utilización artística de la profundidad de campo. Y este, es el fuerte del fotógrafo.

La profundidad de campo, es la zona de la foto que está en foco. Generalmente, si utilizamos esta herramienta, la figura principal de interés está en foco y el fondo borroso. Sin embargo, el fotógrafo, hace lo puesto. La figura principal es Jon Bon Jovi (más cercana a la cámara y que ocupa más lugar en la imagen) sin embargo, está fuera de foco. Y el resto de la banda, que es la figura secundaria, es la que está en foco.

Anton, juega con los centros de interés. Por un lado, pone a Jon Bon Jovi como figura principal pero fuera de foco. Y por otro lado, al resto de la banda en el fondo pero en foco. Es una manera de buscar compensar el peso de los miembros de la banda manipulando las reglas de la composición.

Foto tapa "Blonde on Blonde" BOB DYLAN - (Jerry Schatzberg)

Claramente, la foto de tapa de “Blonde on Blonde” de Dylan está movida. Y cuando le preguntaron al fotógrafo si fue apropósito, este dijo: “Todo el mundo estaba intentando interpretar el significado, diciendo que debía representar ponerse ciego en un viaje lisérgico. No era nada de eso; hacía frío y los dos estábamos temblando.” Básicamente, la foto salió movida porque le temblaban las manos al fotógrafo.

Era el frío de aquel febrero de 1966 en New York. Bob Dylan estaba grabando el disco en la ciudad. Una mañana, Jerry Schatzberg (Fotógrafo y director de cine) le propuso realizar una sesión de fotos cerca del puerto (Greenwich Village) ya que le gustaban los edificios de ladrillos que había.

Todas las fotos salían nítidas y en foco. Pero claro, luego de ver todas, Dylan quiso la movida para la tapa.

Si la cámara sufre algún movimiento durante el tiempo que le lleva captar la imagen, la foto sale movida. No es una cuestión de foco, sino de tiempo de obturación.

Seguramente, Jerry eligió un tiempo de obturación bajo para que entrara más luz pero no lo suficientemente rápido para que el temblor de sus manos no afectara la toma.

Es verdad que hacía frío, pero por otro lado, el disco abre con una canción que dice “Everybody must get stoned.” Y, además, conocemos su vínculo con la marihuana y su influencia en la iniciación de los Beatles con la misma. Así que seguramente, sean ambas. La foto salió movida y Dylan la eligió porque continuaba con el concepto del disco.

“Blonde on Blonde” fue uno de los primeros en ser doble y la tapa también. Cuando se abre el vinilo, la foto continúa con el resto del cuerpo. La tapa es un primer plano de la cara de Dylan, y al abrirlo, la foto pasa a un plano americano.

Foto tapa "Robber Soul" THE BEATLES - (Robert Freeman)

 

Cuando el fotógrafo les estaba mostrando las diapositivas, una se inclinó accidentalmente generando un efecto de “estiramiento”. Este efecto, fue el que decidió la Tapa y el nombre de Robber Soul.

El fotógrafo era Robert Freeman. Venía trabajando con los Beatles desde que se hicieron famosos. Y esa fue su quinta y última foto de tapa para un disco de ellos.

La casa de Lennon contaba con un gran jardín, y en 1965, lo eligieron como locación para la sesión de fotos.

Luego de revelarlas, se reunió con ellos para que eligieran una para la portada del próximo disco (que no tenía nombre). Para eso, tomo un cartón blanco (con las medidas de una tapa de disco de vinilo) y comenzó a proyectar las fotos ahí. En una foto, el cartón se inclinó para atrás generando el famoso efecto. A los Beatles les encantó como quedaba. Les recordaba a la frase “plastic soul” (tan de moda en esos días) con la cual los afroamericanos se referían despectivamente a los blancos cuando intentaban cantaban soul. (En la canción “I´m Down”, de la versión de la Antología, al final se escucha a Paul repitiendo esta frase varias veces.)

En ese momento, todo tomó forma y decidieron utilizar la foto “estirada” con un nombre que juegue con el concepto “plastic soul” y a Paul se le ocurrió: “Robber soul”.

Por primera vez, un disco de los Beatles no llevaba el nombre de la banda. Este fue un pedido del fotógrafo para que la foto se luciera más. (Luego en “Abbey Road” sólo será una foto.) Solamente lleva el nombre del disco, que fue diseñado especialmente para continuar con el mismo concepto.

Composición de la foto original:

Freeman eligió un plano contrapicado. Este tipo de plano es cuando la cámara se coloca por debajo del sujeto a fotografiar brindándole poder, grandeza, seguridad y generando una sensación de inferioridad en el espectador.

A su vez, elige un plano medio, donde deja afuera sus piernas y deja un espació considerable por arriba de sus cabezas, creando un espacio negativo.

Se buscó en los colores cierta armonía en complementarios (verde, marrón, negro) y una iluminación natural.

Entre las figuras principales y el fondo verde, se genera un contraste de textura y ritmo que contraste con el marrón y el liso de sus ropas.

Pero lo mejor de la composición, son las miradas. Tres de ellas miran a la derecha, lo que lleva a que miremos a ellos primero ya que da tranquilidad cuando las miradas apunten a un mismo lugar y ese lugar no es a nosotros. Pero luego, lo vemos a Lennon, que él si nos está mirando a nosotros generando, finalmente, esa sensación de incomodidad cuando te descubren que los estas mirando.

Muy distinta sería la foto si todos mirasen a un misma dirección.

Luego, la foto sufrirá el “estiramiento”, una rotación y un recorte considerable. Buscaron llenar la tapa con los primeros planos de sus caras y dejaron un mínimo espacio para colocar el logotipo.

Un accidente que definió la tapa y el nombre de un disco de los Beatles.

 

Foto tapa “London Calling” THE CLASH - (Pennie Smith)

En la última canción, el bajista Paul Simonon, se equivocó en una parte. No logrando superar la frustración, la ira se apoderó de él y destrozó su bajo preferido contra el piso del escenario (se arrepiente hasta el día de hoy). 

Todo esto pasó el 21 de septiembre de 1979, en el Palladium de Nueva York, cuando tocó THE CLASH como parte de su gira "Clash Take the Fifth” (la primera en los EEUU).

Esa noche, se encontraba la fotógrafa Pennie Smith (staff de NME) cubriendo la gira. Generalmente, ella se ubicaba debajo del escenario, o sobre el mismo, pero del lado del guitarrista, Mick Jones. Sin embargo, esa noche eligió ubicarse del lado del bajista.

El recital ya estaba terminando. Todo parecía estar saliendo bien, cuando de repente, ella notó que Paul Simonon elevó su bajo de forma vertical por los cielos. Algo estaba pasando. Luego se dirigió hacia su ubicación y comenzó a destrozar su Fender Precisión a 2 metros de ella.

Pennie, sorprendida, sin tiempo de poder configurar su cámara Pentax ESII y con mucho miedo, comenzó a disparar.

Composición:

En este tipo de fotografías, el fotógrafo no puede solicitar que las personas posen. Tampoco puedo pedir que repitan lo que estaban haciendo. Es una tarea mucho más difícil que la mayoría de las fotos dónde el fotógrafo tiene el control. Acá, debe anticiparse a los movimientos. Cuando cree que algo bueno puede suceder, comenzar, lo más rápido posible, a componer con lo que pueda. Ordenar el caos en un rectángulo y comenzar a disparar.

También hay que tener en cuenta, que es muy complicado (casi imposible) poder medir la luz en los recitales. En los mismos, hay luces muy fuertes, muy puntales, que se prenden y apagan. Y al mismo tiempo, esas luces están rodeadas por la oscuridad misma. El contraste es muy elevado. La configuración de la cámara se termina haciendo a ojo. 

No es nada cómodo sacar fotos en un recital porque nunca hay tiempo suficiente para poder componer ni para poder medir la luz correctamente.

Es por todo esto, que la foto está totalmente fuera de foco, sobreexpuesta (quemada), con un poco de barrido y mucho grano (Ruido). 

Sin embargo, estos “errores” terminaron acompañando perfectamente lo que transmitía la foto: La ira, el descontrol, el punk, la rebeldía.

The Clash se caracterizaba por romper las reglar en todo. En la música, en sus letras, en su pensamiento político. Todos querían que esa foto fuera la tapa menos Pennie. Ella sólo veía los “errores” y le daba vergüenza que se publique una foto así en la tapa de un disco con su nombre. Pensó que iba a quedar poco profesional. 

Finalmente, la convencieron, ella accedió, y en 2002, fue nombrada la mejor fotografía del rock and roll de todos los tiempos por la revista Q, que argumentó: “captura el último momento del rock and roll - la pérdida total de control"

Además de la foto, utilizaron el mismo diseño de tapa que el primer disco de Elvis de 1956.

El bajista sintió que cometió un error cuando rompió el bajo y la fotógrafa sintió que cometió un error cuando sacó la foto.  Gracias a esos errores, la tapa de “London Calling” fue nombrada la novena "mejor portada de todos los tiempos" por la revista Q, decima por el Royal Mail para la serie "Classic Album Cover", décimo sexta para la Billboard y la quinta mejor portada de todos los tiempos por la Rolling Stone.

Foto tapa (What's the Story) Morning Glory? OASIS - (Brian Cannon)

Era un sábado a la noche de 1995 en el Soho de Londres. Típica noche de bares y alcohol de los hermanos Gallagher y sus amigos. Entre ellos, se encontraban Brian Cannon (Fotógrafo de tapa de todos sus discos y singles), el Dj Sean Rowley (Periodista de música en radio y TV) y Owen Morris (Productor de su primer disco). Cerveza va, cerveza viene, deciden sacar la foto de su próximo disco cuando salieran los primeros rayos de sol esa misma noche.

La idea original de la foto era que estuviesen los hermanos caminando por las calles del Soho con los primeras luces del día (de esa manera habría menos gente y autos). Pero, lamentablemente, el sol tardó demasiado para la poca paciencia que se tenían Noel y Liam. Ambos se pelearon y se retiraron antes.

De esa manera, quedaron solos: Brian Cannon, Sean Rowley y Owen Morris. Pero, a pesar de no contar con ninguno de los integrantes de OASIS y estando borrachos, decidieron sacar la foto igual.

Salieron los tres a sacar fotos por las calles del soho a las 5 de la mañana. Y la primera que sacaron, es la que quedó.

Brian Cannon colocó su cámara con trípode sobre la calle Berwick Street en cruce con la D’Arblay Street mirando para el Támesis.

Composición:

-Eligió la perspectiva que le brindaba la misma calle.

-La foto está sobre-expuesta. Se nota un poco quemada en el fondo de los edificios. Esto podría ser por la poca luz que seguramente había en el momento de sacar la foto (observar el detalle del farol todavía prendido como si fuera de noche). Y además, podría estar sobre-expuesta por querer lograr el efecto barrido de las personas caminando. No sabemos cuál de los dos motivos es el responsable de que la foto esté sobreexpuesta. Quizás, ambos lo sean.

-Hay una cierta poesía entre un fondo quieto en foco que contrasta con las dos personas en movimiento y fuera de foco. Casi como una crítica a nuestra manera de vivir en la ciudad, donde no tenemos tiempo de detenernos para disfrutar lo que nos rodea. La ciudad en foco, nítida, hermosa y la gente en constante movimiento, sin definición en sus caras, como todos iguales sin personalidad.

La persona que esta caminando de espaldas es el mismo Brian Cannon. Que luego de poner el temporizador en la cámara, salió caminando para encontrarse de frente con el Dj Sean Rowley en camisa y pantalones blancos.

En el fondo a la izquierda, se va a Owen Morris tapándose la cara con los master del disco al cual le estaban haciendo la tapa.

Finalmente, ni Noel, ni Liam, salieron en la tapa. Y sus tres amigos, se hicieron de ella.

Una foto de tapa que se ideó en ese momento, que llevó sólo una toma y que se hizo bajo los efectos del alcohol y que se terminó cobrando 25.000 libras.

La participación de George Martin en las canciones de los Beatles

George Martin, más allá de ser el productor en todos los discos de los Beatles (salvo “Let It Be” que lo termina produciendo Phil Spector) también tuvo una activa e influyente participación como músico en las canciones. Ya sea directamente (tocando él mismo instrumentos) o indirectamente (dirigiendo a orquestas o a músicos cesionistas). Son por estas participaciones que lo bautizaron (merecidamente): El quinto Beatle.

En este gráfico, se puede ver el porcentaje de participación como músico por año:
 

1963-1964 (Please please me, With the Beatles, A Hard Day's Night y Beatles for sale)

El Piano era el instrumento fundamental del rock and roll de los años 50´s. Jerry Lee Lewis, Little Richard, Fats Domino eran sus referentes que lo tocaban.  Sin embargo, ninguno de los Beatles (hasta ese momento)  tocaba el piano.
Por lo tanto, la escases de teclados en una banda con muchas guitarras, motivo a que este instrumento tuviera un lugar privilegiado sin que hiriera susceptibilidades entre los integrantes. 
George Martin había estudiado piano en la Escuela Guildhall de Música y oboe (con la madre de Jane Asher, futura novia de Paul).
Sus primeras apariciones fueron como músico directo tocando el Piano (y en menor medida el órgano Hammond y la celesta). La mayoría son tímidos arreglos y acompañamientos. 

Tocó el piano en: “Misery”, “You Really Got a Hold on Me”, “Not a Second Time”, “Money”, “A Hard Day's Night”, “No Reply”, “Rock & Roll Music”, “Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey” y “What You're Doing”. También tocó la celesta en “Baby It's You” y el órgano Hammond en “I Wanna Be Your Man”.

Tuvo una participación directa con un promedio, entre los cuatros discos, del 19.77%

1965- Help!

George Martin va a tocar el piano (y otros teclados) en las canciones de los Beatles hasta el final.  Sin embargo, a partir de 1965, comenzaron a aparecer otros instrumentos de la música clásica pero que no estaban relacionado directamente al rock. Esto género, en un principio, algo de rechazo en los Beatles pero rápidamente fueron convencidos por Martin.
Lo primero que se grabó fue el solo de flauta Traversa en "You've Got to Hide Your Love Away” (tocado por un músico cesionista). Pero lo más importante,  fue el acompañamiento del cuarteto de cuerdas dirigidos por Martin en “Yesterday”. 

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 21.42%

1965-Rubber Soul

En “Robber Soul”, no aparecen flautas traversa ni cuartetos de cuerdas. George siguió tocando el piano, el órgano Vox y el piano eléctrico, con el cual da un gran paso como quinto beatle: Toca el solo de “In My Life”. 

Tuvo una participación directa con un promedio del 21.42%

Y acá, tengo que hacer un paréntesis. Estamos tan acostumbrados a escuchar las canciones de los Beatles, que ya las adoptamos como normales en todos sus aspectos. Pero, si escuchamos bien, ese solo de piano eléctrico no es para una canción pop o rock de los 60’s. Ese piano es de estilo Barroco clásico. Los Beatles, de a poco, comenzarán a mezclarse con arreglos de música clásica barroca (responsabilidad de Martin) para crear un nuevo estilo, el cual serán recordados por siempre: Rock barroco.

1966- Revolver

En “Revolver”, George se tomó la revancha y volvió con un octeto de cuatro violines, dos violas y dos violonchelos para “Eleanor Rigby” y  un quinteto de tres trompetas y dos saxos tenores para “Got to Get You into My Life”.
Además tocó el piano en “Tomorrow Never Knows” y el órgano en “Got to Get You into My Life”. Y para no perder el terreno ganado en “Robber soul”, tocó el solo de piano en “Good Day Sunshine”.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 35.71%

1967-Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Magical Mystery Tour

Como venimos viendo, el porcentaje de participación de George Martin va creciendo lentamente, pero en Sgt. Pepper's y Magical Mystery Tour, da un gran salto llegando a marcar el punto máximo.
En todo 1967, solamente en “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)”,  “Your Mother Should Know“,  “Flying” y “Baby You're a Rich Man”  no participó como músico. O sea,  de las 24 canciones de ese año, participó en 20.
Tocó el Piano, Órgano, Clavecín, Armonio y Glockenspiel. Y dirigió Cornos franceses, Arpas, violines, violas, violonchelos, chelos, contrabajos, clarinetes, clarinetes bajos, saxofones, trombones, trompetas, oboes, fagots, Flautas dulces y traversas, tubas, timbales, trompas, picolos, fiscornos y cornos ingleses.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 87.55%

1968-Álbum Blanco

Los Beatles estaban disfrutando del éxito de “Sgt. Pepper”, cuando de repente, murió Brian Epstein. Tristes, decidieron escapar a la India para meditar. 
Esa experiencia los influenció en la idea de despojarse de lo material y esto se vio reflejado en su próximo álbum. 

Decidieron hacer lo opuesto a Sgt. Pepper y buscaron la simpleza. Desde la tapa (toda blanca), el título (simplemente “Los Beatles”) y un sonido más acústico y menos barroco.
George Martín tocó el piano en “Rocky Raccoon”, “Good Night” y el armonio en “Cry Baby Cry”. Y dirigió orquestas y a otros músicos en: “Glass Onion”, “Piggies”, “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, “Martha My Dear”, “Mother Nature's Son”, “Revolution 1”, “Honey Pie”, “Savoy Truffle” y “Good Night”.

Claramente, la participación de Martin bajó ya que era el concepto de este disco en contraposición con el anterior. De todas maneras, la participación directa o indirecta fue del 36,66%

1969- Yellow Submarine

“Yellow Submarine” fue un disco que se editó como parte de la película lanzada un año antes. Fue más una obligación contractual que un álbum. 

Hay pocas canciones nuevas de los Beatles (que eran las que no habían entrado en discos anteriores). 
En “It's All Too Much” vemos el aporte de Martin con Trompetas y clarinetes en una canción de los Beatles, pero luego, todo el lado B son sinfonías para la película completamente escritas y dirigidas por él. 

No sé, si en la historia de la música, un productor publicó siete canciones enteramente propias en un disco que estaba produciendo para otra banda.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 61.53%

1969-Let It Be

“Sgt. Pepper” había logrado lo que ningún disco de música había logrado. Fue un gran éxito. Aclamado por los fans y las críticas. Habían sellado su sonido rock/barroco con un disco y una tapa acordes a ese estilo. Pero también, llegaron las críticas. 

Sgt Pepper tiene un 92,3% de participación de George Martin. La crítica giraba en que, la gran mayoría de los arreglos barrocos, no habían sido compuestos ni tocados por los cuatro de Liverpool. Esto comenzó a sembrar dudas sobre su capacidad como músicos.

Esta crítica hirió notablemente al ego de Paul y decidió crear un disco en respuesta.
“Let It be”, en un comienzo, se iba  llamar “Get back” (Volver)  porque la idea era grabar un disco como lo hicieron con “Please please me” (volver a tocar en vivo todas las canciones seguidas en una tarde sin otros músicos).

Grabar un disco de esa manera, implicaba que no iba a ver tiempo para orquestas u arreglos complejos. Iban a  ser ellos cuatro con sus cuatro instrumentos tocando en vivo. 

De esta manera, Paul se aseguraba que todos supieran que ellos tocaban y cantaban sin ayuda de nadie. Pero no sólo le preocupaba eso. Además, decidió grabar en un estudio de televisión las sesiones de grabación para que todos supieran que ellos también componían sin ayuda de nadie.
Claramente el “sin ayuda de nadie” era una manera de referirse a George Martin.  El productor sintió este clima hostil hacia su persona durante las sesiones y al no sentir que lo respetaban, decidió renunciar. 

Por eso, el disco lo termina produciendo Phil Spector (Quien sí, coloca arreglos de orquesta sin el consentimiento de Paul. Y es por eso, que en 2003, McCartney sacó “Let It Be - Naked”)

No sólo se fue el productor, también lo hizo el guitarrista. Harrison se marchó al no querer lidiar con la arrogancia de Paul. Pero a diferencia del productor, el guitarrista volvió. 
La vuelta de Harrison trajo condiciones que dieron muerte al proyecto “Get Back” que termina mutando en lo que conocimos como “Let It Be”.

La participación de George Martin fue prácticamente nula.

1969-ABBEY ROAD

Durante la grabación “Let it be”, el clima áspero se fue incrementando y decidieron tomar un respiro para calmar las aguas lo que dejó el proyecto sin finalizar (Lo harán recién en 1970 cuando se termina lanzando el disco ya separados.)

Los Beatles se tomaron vacaciones. Paul y John aprovecharon y se casaron con sus respectivas novias (Yoko y Linda). Y quizás, gracias a esto, ambos volvieron a Londres con paz y ganas de reconciliarse. 
Un día, John le tocó el timbre a Paul y limaron asperezas. Luego, compusieron y grabaron juntos: “The Ballad of John and Yoko”. Fue durante estos días de reconciliación, cuando decidieron llamar a George Martin para grabar el próximo disco.

Martin aceptó pero con la condición de que se trabaje como lo solían hacer antes. Todos aceptaron y se volvieron a ver en Abbey Road. 

Todo salió perfecto. El clima de trabajo fue el ideal y el nivel de composición insuperable. Quizás, todo salió bien porque sabían, en el fondo, que estaban grabando el último disco de la banda.

George Martin regresó como en las viejas épocas y se sentó frente a los teclados. Tocó el Organo HAmmond en “Maxweal silver hammer”, el clavicémbalo eléctrico en “Because” y  el órgano Lowrey en “Sun King”.
También dirigió orquestas y músicos en: “Something”, “Here came the sun”, “Golden Slumbers”, “Carry That Weight” y  “The End”.

Una participación directa e indirecta con un promedio del 50%

George Martin y los Beatles en las sesiones de Sgt. Pepper.

Antes de los años 60s, el productor musical era visto más como un técnico, cual trabajo era lograr que se grabaran bien los instrumentos y las voces. Pero George Martin (y otros colegas) comenzaron a involucrase más en las canciones y sus integrantes logrando que suenen mejor. Y este es el trabajo actual del productor musical. 

Hoy en día, el productor es sumamente respetado, de Igual o mayor manera que los músicos. Si una banda quiere grabar un disco,  lo primero que piensan es a que productor llamar. El mismo, se involucra de la misma manera que lo hacía Martin, pero quizás antes no estaba tan bien visto. George se adelantó a su época. 

Tengamos en cuenta que George Martin había estudiado música clásica y trabajaba con orquestas de música clásica. Ese era su fuerte.  

De repente, en 1962, le enviaron cuatro jóvenes con guitarras eléctricas y un nuevo sonido al cual todas las compañías discográficas rechazaban. Pero Martin aceptó y seguramente nunca había tocado una guitarra eléctrica en su vida.

Creo que George Martin quedó deslumbrado. Fue un admirador de las composiciones de los Beatles. Realmente fue un fan. Y como productor, trabajó intensamente para que esas canciones suenen mejor. Y claramente, su aporte fueron arreglos de música clásica, porque ese era su mundo.

El vínculo entre George Martin y los Beatles es un gran ejemplo del modo actual de trabajo entre productores y músicos. El productor trata de guiar a la banda hacia un mejor sonido y eso puede herir susceptibilidades. Pero no creo que un productor sea el creador de un artista. Los artistas entran al estudio con excelentes canciones pero no pueden saber todo. Hay ciertos arreglos y detalles que ellos no logran ver. Si los artistas hicieran todo, no existirían los managers, técnicos, fabricantes de instrumentos, sonidistas, iluminadores, prensa, etc…

¿Qué hubiera sido de los Beatles sin Brian Epstein? Seguramente hubieran tocado toda su vida en el Cavern. O no, no lo sabremos. Pero él hizo que le mundo los conociera. 

En el caso del productor musical y el sonidista, es más sensible el asunto, porque se están “metiendo” directamente con sus canciones. Por eso esas relaciones de amor/odio.

Entonces, las canciones son creaciones de los Beatles pero es verdad que el aporte “Barroco” dentro del sonido rock/pop es responsabilidad de Martin. Nunca sabremos bien cuál fue el grado de participación de los Beatles en los arreglos. Seguramente, varios fueron ideas de ellos que se los transmitían "tarareando" a Martin para que los escriba y los dirija. 

Lo importante, es que el trabajo de George Martin era lograr que las canciones de los Beatles sonaran mejor, y bien que lo logró.