Colaboraciones entre los Rolling Stones y los Beatles

Los Stones y los Beatles siempre estuvieron muy unidos.

Los Beatles consiguieron el éxito y la fama antes pero, a pesar de que muchos los consideran rivales, fueron ellos quienes recomendaron a los Stones a cada persona importante que empezaban a conocer en el mundo de la música. Y por una recomendación de Harrison a Dick Rowe (Un productor que había rechazado anteriormente a Los Beatles), consiguieron su primer contrato discográfico.

El resto es historia.

Las colaboraciones entre ambos:

1963

Los Beatles entregan a los Stones la canción “I wanna be your man”, quienes la graban primero. Fue el primer éxito de los Rolling Stones.

1966

En la canción “Yellow Submarine” de los Beatles, Brian Jones aportó con coros y un efecto de vasos chocando.

1967

En la canción “Baby, You’re a Rich Man” de los Beatles, Mick Jagger aportó con coros.

En “All you Need is love”, de los Beatles, Jagger y Richards aportaron con coros. En el minuto 3:07 se puede escuchar la voz de Jagger gritando “iieee hey!”.

En la canción “We love you” de los Stones, Lennon y Mc McCartney aportaron con coros.

En la canción “You know my name (look up the number)” de los Beatles, en el minuto 3:51 comienza un saxo tocado por Brian Jones.

1968

Lennon participó de la película/concierto “The Rolling Stones Rock and Roll Circus” como parte integrante de la banda “The Dirty Mac” donde tocó “Yer Blues” con Clapton en guitarra, Mitchell en batería y Richards en el bajo. Luego, en 1996, salió el disco.

2023

En la canción “Bite my head off” de los Stones, Paul Mc McCartney toca el bajo.

Foto tapa "Robber Soul" THE BEATLES - (Robert Freeman)

 

Cuando el fotógrafo les estaba mostrando las diapositivas, una se inclinó accidentalmente generando un efecto de “estiramiento”. Este efecto, fue el que decidió la Tapa y el nombre de Robber Soul.

El fotógrafo era Robert Freeman. Venía trabajando con los Beatles desde que se hicieron famosos. Y esa fue su quinta y última foto de tapa para un disco de ellos.

La casa de Lennon contaba con un gran jardín, y en 1965, lo eligieron como locación para la sesión de fotos.

Luego de revelarlas, se reunió con ellos para que eligieran una para la portada del próximo disco (que no tenía nombre). Para eso, tomo un cartón blanco (con las medidas de una tapa de disco de vinilo) y comenzó a proyectar las fotos ahí. En una foto, el cartón se inclinó para atrás generando el famoso efecto. A los Beatles les encantó como quedaba. Les recordaba a la frase “plastic soul” (tan de moda en esos días) con la cual los afroamericanos se referían despectivamente a los blancos cuando intentaban cantaban soul. (En la canción “I´m Down”, de la versión de la Antología, al final se escucha a Paul repitiendo esta frase varias veces.)

En ese momento, todo tomó forma y decidieron utilizar la foto “estirada” con un nombre que juegue con el concepto “plastic soul” y a Paul se le ocurrió: “Robber soul”.

Por primera vez, un disco de los Beatles no llevaba el nombre de la banda. Este fue un pedido del fotógrafo para que la foto se luciera más. (Luego en “Abbey Road” sólo será una foto.) Solamente lleva el nombre del disco, que fue diseñado especialmente para continuar con el mismo concepto.

Composición de la foto original:

Freeman eligió un plano contrapicado. Este tipo de plano es cuando la cámara se coloca por debajo del sujeto a fotografiar brindándole poder, grandeza, seguridad y generando una sensación de inferioridad en el espectador.

A su vez, elige un plano medio, donde deja afuera sus piernas y deja un espació considerable por arriba de sus cabezas, creando un espacio negativo.

Se buscó en los colores cierta armonía en complementarios (verde, marrón, negro) y una iluminación natural.

Entre las figuras principales y el fondo verde, se genera un contraste de textura y ritmo que contraste con el marrón y el liso de sus ropas.

Pero lo mejor de la composición, son las miradas. Tres de ellas miran a la derecha, lo que lleva a que miremos a ellos primero ya que da tranquilidad cuando las miradas apunten a un mismo lugar y ese lugar no es a nosotros. Pero luego, lo vemos a Lennon, que él si nos está mirando a nosotros generando, finalmente, esa sensación de incomodidad cuando te descubren que los estas mirando.

Muy distinta sería la foto si todos mirasen a un misma dirección.

Luego, la foto sufrirá el “estiramiento”, una rotación y un recorte considerable. Buscaron llenar la tapa con los primeros planos de sus caras y dejaron un mínimo espacio para colocar el logotipo.

Un accidente que definió la tapa y el nombre de un disco de los Beatles.

 

La participación de George Martin en las canciones de los Beatles

George Martin, más allá de ser el productor en todos los discos de los Beatles (salvo “Let It Be” que lo termina produciendo Phil Spector) también tuvo una activa e influyente participación como músico en las canciones. Ya sea directamente (tocando él mismo instrumentos) o indirectamente (dirigiendo a orquestas o a músicos cesionistas). Son por estas participaciones que lo bautizaron (merecidamente): El quinto Beatle.

En este gráfico, se puede ver el porcentaje de participación como músico por año:
 

1963-1964 (Please please me, With the Beatles, A Hard Day's Night y Beatles for sale)

El Piano era el instrumento fundamental del rock and roll de los años 50´s. Jerry Lee Lewis, Little Richard, Fats Domino eran sus referentes que lo tocaban.  Sin embargo, ninguno de los Beatles (hasta ese momento)  tocaba el piano.
Por lo tanto, la escases de teclados en una banda con muchas guitarras, motivo a que este instrumento tuviera un lugar privilegiado sin que hiriera susceptibilidades entre los integrantes. 
George Martin había estudiado piano en la Escuela Guildhall de Música y oboe (con la madre de Jane Asher, futura novia de Paul).
Sus primeras apariciones fueron como músico directo tocando el Piano (y en menor medida el órgano Hammond y la celesta). La mayoría son tímidos arreglos y acompañamientos. 

Tocó el piano en: “Misery”, “You Really Got a Hold on Me”, “Not a Second Time”, “Money”, “A Hard Day's Night”, “No Reply”, “Rock & Roll Music”, “Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey” y “What You're Doing”. También tocó la celesta en “Baby It's You” y el órgano Hammond en “I Wanna Be Your Man”.

Tuvo una participación directa con un promedio, entre los cuatros discos, del 19.77%

1965- Help!

George Martin va a tocar el piano (y otros teclados) en las canciones de los Beatles hasta el final.  Sin embargo, a partir de 1965, comenzaron a aparecer otros instrumentos de la música clásica pero que no estaban relacionado directamente al rock. Esto género, en un principio, algo de rechazo en los Beatles pero rápidamente fueron convencidos por Martin.
Lo primero que se grabó fue el solo de flauta Traversa en "You've Got to Hide Your Love Away” (tocado por un músico cesionista). Pero lo más importante,  fue el acompañamiento del cuarteto de cuerdas dirigidos por Martin en “Yesterday”. 

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 21.42%

1965-Rubber Soul

En “Robber Soul”, no aparecen flautas traversa ni cuartetos de cuerdas. George siguió tocando el piano, el órgano Vox y el piano eléctrico, con el cual da un gran paso como quinto beatle: Toca el solo de “In My Life”. 

Tuvo una participación directa con un promedio del 21.42%

Y acá, tengo que hacer un paréntesis. Estamos tan acostumbrados a escuchar las canciones de los Beatles, que ya las adoptamos como normales en todos sus aspectos. Pero, si escuchamos bien, ese solo de piano eléctrico no es para una canción pop o rock de los 60’s. Ese piano es de estilo Barroco clásico. Los Beatles, de a poco, comenzarán a mezclarse con arreglos de música clásica barroca (responsabilidad de Martin) para crear un nuevo estilo, el cual serán recordados por siempre: Rock barroco.

1966- Revolver

En “Revolver”, George se tomó la revancha y volvió con un octeto de cuatro violines, dos violas y dos violonchelos para “Eleanor Rigby” y  un quinteto de tres trompetas y dos saxos tenores para “Got to Get You into My Life”.
Además tocó el piano en “Tomorrow Never Knows” y el órgano en “Got to Get You into My Life”. Y para no perder el terreno ganado en “Robber soul”, tocó el solo de piano en “Good Day Sunshine”.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 35.71%

1967-Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Magical Mystery Tour

Como venimos viendo, el porcentaje de participación de George Martin va creciendo lentamente, pero en Sgt. Pepper's y Magical Mystery Tour, da un gran salto llegando a marcar el punto máximo.
En todo 1967, solamente en “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)”,  “Your Mother Should Know“,  “Flying” y “Baby You're a Rich Man”  no participó como músico. O sea,  de las 24 canciones de ese año, participó en 20.
Tocó el Piano, Órgano, Clavecín, Armonio y Glockenspiel. Y dirigió Cornos franceses, Arpas, violines, violas, violonchelos, chelos, contrabajos, clarinetes, clarinetes bajos, saxofones, trombones, trompetas, oboes, fagots, Flautas dulces y traversas, tubas, timbales, trompas, picolos, fiscornos y cornos ingleses.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 87.55%

1968-Álbum Blanco

Los Beatles estaban disfrutando del éxito de “Sgt. Pepper”, cuando de repente, murió Brian Epstein. Tristes, decidieron escapar a la India para meditar. 
Esa experiencia los influenció en la idea de despojarse de lo material y esto se vio reflejado en su próximo álbum. 

Decidieron hacer lo opuesto a Sgt. Pepper y buscaron la simpleza. Desde la tapa (toda blanca), el título (simplemente “Los Beatles”) y un sonido más acústico y menos barroco.
George Martín tocó el piano en “Rocky Raccoon”, “Good Night” y el armonio en “Cry Baby Cry”. Y dirigió orquestas y a otros músicos en: “Glass Onion”, “Piggies”, “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, “Martha My Dear”, “Mother Nature's Son”, “Revolution 1”, “Honey Pie”, “Savoy Truffle” y “Good Night”.

Claramente, la participación de Martin bajó ya que era el concepto de este disco en contraposición con el anterior. De todas maneras, la participación directa o indirecta fue del 36,66%

1969- Yellow Submarine

“Yellow Submarine” fue un disco que se editó como parte de la película lanzada un año antes. Fue más una obligación contractual que un álbum. 

Hay pocas canciones nuevas de los Beatles (que eran las que no habían entrado en discos anteriores). 
En “It's All Too Much” vemos el aporte de Martin con Trompetas y clarinetes en una canción de los Beatles, pero luego, todo el lado B son sinfonías para la película completamente escritas y dirigidas por él. 

No sé, si en la historia de la música, un productor publicó siete canciones enteramente propias en un disco que estaba produciendo para otra banda.

Tuvo una participación directa e indirecta con un promedio del 61.53%

1969-Let It Be

“Sgt. Pepper” había logrado lo que ningún disco de música había logrado. Fue un gran éxito. Aclamado por los fans y las críticas. Habían sellado su sonido rock/barroco con un disco y una tapa acordes a ese estilo. Pero también, llegaron las críticas. 

Sgt Pepper tiene un 92,3% de participación de George Martin. La crítica giraba en que, la gran mayoría de los arreglos barrocos, no habían sido compuestos ni tocados por los cuatro de Liverpool. Esto comenzó a sembrar dudas sobre su capacidad como músicos.

Esta crítica hirió notablemente al ego de Paul y decidió crear un disco en respuesta.
“Let It be”, en un comienzo, se iba  llamar “Get back” (Volver)  porque la idea era grabar un disco como lo hicieron con “Please please me” (volver a tocar en vivo todas las canciones seguidas en una tarde sin otros músicos).

Grabar un disco de esa manera, implicaba que no iba a ver tiempo para orquestas u arreglos complejos. Iban a  ser ellos cuatro con sus cuatro instrumentos tocando en vivo. 

De esta manera, Paul se aseguraba que todos supieran que ellos tocaban y cantaban sin ayuda de nadie. Pero no sólo le preocupaba eso. Además, decidió grabar en un estudio de televisión las sesiones de grabación para que todos supieran que ellos también componían sin ayuda de nadie.
Claramente el “sin ayuda de nadie” era una manera de referirse a George Martin.  El productor sintió este clima hostil hacia su persona durante las sesiones y al no sentir que lo respetaban, decidió renunciar. 

Por eso, el disco lo termina produciendo Phil Spector (Quien sí, coloca arreglos de orquesta sin el consentimiento de Paul. Y es por eso, que en 2003, McCartney sacó “Let It Be - Naked”)

No sólo se fue el productor, también lo hizo el guitarrista. Harrison se marchó al no querer lidiar con la arrogancia de Paul. Pero a diferencia del productor, el guitarrista volvió. 
La vuelta de Harrison trajo condiciones que dieron muerte al proyecto “Get Back” que termina mutando en lo que conocimos como “Let It Be”.

La participación de George Martin fue prácticamente nula.

1969-ABBEY ROAD

Durante la grabación “Let it be”, el clima áspero se fue incrementando y decidieron tomar un respiro para calmar las aguas lo que dejó el proyecto sin finalizar (Lo harán recién en 1970 cuando se termina lanzando el disco ya separados.)

Los Beatles se tomaron vacaciones. Paul y John aprovecharon y se casaron con sus respectivas novias (Yoko y Linda). Y quizás, gracias a esto, ambos volvieron a Londres con paz y ganas de reconciliarse. 
Un día, John le tocó el timbre a Paul y limaron asperezas. Luego, compusieron y grabaron juntos: “The Ballad of John and Yoko”. Fue durante estos días de reconciliación, cuando decidieron llamar a George Martin para grabar el próximo disco.

Martin aceptó pero con la condición de que se trabaje como lo solían hacer antes. Todos aceptaron y se volvieron a ver en Abbey Road. 

Todo salió perfecto. El clima de trabajo fue el ideal y el nivel de composición insuperable. Quizás, todo salió bien porque sabían, en el fondo, que estaban grabando el último disco de la banda.

George Martin regresó como en las viejas épocas y se sentó frente a los teclados. Tocó el Organo HAmmond en “Maxweal silver hammer”, el clavicémbalo eléctrico en “Because” y  el órgano Lowrey en “Sun King”.
También dirigió orquestas y músicos en: “Something”, “Here came the sun”, “Golden Slumbers”, “Carry That Weight” y  “The End”.

Una participación directa e indirecta con un promedio del 50%

George Martin y los Beatles en las sesiones de Sgt. Pepper.

Antes de los años 60s, el productor musical era visto más como un técnico, cual trabajo era lograr que se grabaran bien los instrumentos y las voces. Pero George Martin (y otros colegas) comenzaron a involucrase más en las canciones y sus integrantes logrando que suenen mejor. Y este es el trabajo actual del productor musical. 

Hoy en día, el productor es sumamente respetado, de Igual o mayor manera que los músicos. Si una banda quiere grabar un disco,  lo primero que piensan es a que productor llamar. El mismo, se involucra de la misma manera que lo hacía Martin, pero quizás antes no estaba tan bien visto. George se adelantó a su época. 

Tengamos en cuenta que George Martin había estudiado música clásica y trabajaba con orquestas de música clásica. Ese era su fuerte.  

De repente, en 1962, le enviaron cuatro jóvenes con guitarras eléctricas y un nuevo sonido al cual todas las compañías discográficas rechazaban. Pero Martin aceptó y seguramente nunca había tocado una guitarra eléctrica en su vida.

Creo que George Martin quedó deslumbrado. Fue un admirador de las composiciones de los Beatles. Realmente fue un fan. Y como productor, trabajó intensamente para que esas canciones suenen mejor. Y claramente, su aporte fueron arreglos de música clásica, porque ese era su mundo.

El vínculo entre George Martin y los Beatles es un gran ejemplo del modo actual de trabajo entre productores y músicos. El productor trata de guiar a la banda hacia un mejor sonido y eso puede herir susceptibilidades. Pero no creo que un productor sea el creador de un artista. Los artistas entran al estudio con excelentes canciones pero no pueden saber todo. Hay ciertos arreglos y detalles que ellos no logran ver. Si los artistas hicieran todo, no existirían los managers, técnicos, fabricantes de instrumentos, sonidistas, iluminadores, prensa, etc…

¿Qué hubiera sido de los Beatles sin Brian Epstein? Seguramente hubieran tocado toda su vida en el Cavern. O no, no lo sabremos. Pero él hizo que le mundo los conociera. 

En el caso del productor musical y el sonidista, es más sensible el asunto, porque se están “metiendo” directamente con sus canciones. Por eso esas relaciones de amor/odio.

Entonces, las canciones son creaciones de los Beatles pero es verdad que el aporte “Barroco” dentro del sonido rock/pop es responsabilidad de Martin. Nunca sabremos bien cuál fue el grado de participación de los Beatles en los arreglos. Seguramente, varios fueron ideas de ellos que se los transmitían "tarareando" a Martin para que los escriba y los dirija. 

Lo importante, es que el trabajo de George Martin era lograr que las canciones de los Beatles sonaran mejor, y bien que lo logró.

¿Qué hace que una canción sea buena o mala? (Happinness is a Warm Gun)

En el mundo de la música hay canciones malas y canciones buenas. Muchas veces, simplemente lo sabemos y declaramos una canción como tal pero no sabemos bien como argumentarlo.

¿Qué hace que una canción sea mala o buena?

La música debe generar un viaje. Debe generar emociones. Debe ser una montaña rusa de sensaciones (como todo arte).

Esto se debe lograr en la composición. El músico está provisto de infinitas notas, infinitos acordes, infinitos ritmos, infinitas melodías, infinitos tempos, infinitas letras y una infinita combinación de todos. Que una canción sea aburrida, es claramente culpa del compositor.

Cuando la gran mayoría declara que los Beatles eran una gran banda, es porque se ve reflejado en sus composiciones.

Lennon escribió “Happiness is a warm gun” en 1968. Nació del título de una revista de armas que le mostró George Martin (“La felicidad es un arma caliente”). El título le pareció tan bizarro que se merecía una canción.

La canción está compuesta por 4 partes totalmente distintas. Cada una con diferentes notas, diferentes letras, diferentes tempos y diferentes melodías. Como 4 canciones en una que conectan perfecto. Es un viaje psicodélico por la cabeza de Lennon y un ejemplo de cómo componer bien.

Las 4 partes podrían ser:

1- “She's not a girl who misses much” (00:00 a 00:44)

Es la primera parte que podrida dividirse, a su vez, en dos partes: La intro con la voz y el arpegio de guitarra, y luego, cuando toma impulso con la entrada de los demás instrumentos.

Comenzar una canción con la frase, “Ella es una mujer que no extraña mucho”, es perfecto. Genera una gran incertidumbre. Podría ser el comienzo de un cuento. Poético.

El resto de la letra no se queda atrás, muy psicodélico. Claramente, la mejor letra está en esta primera parte.

El tempo es el clásico 4/4

2- “I need a fix 'cause I'm going down” (00:44 a 1:12)

Y de repente, todo cambia. El tempo se hace más lento pasando a un interesante 3/4. Bruscamente, el clima pasa a ser más depresivo. La letra acompaña con “Necesito una solución porque me estoy hundiendo” o también “FIX” se puede interpretar como una inyección. Lennon nos obligó a salir de nuestro estado de confort y entrar a un pozo.

3- “Mother Superior jumped the gun” (1:22 a 1:34)

Rápidamente nos ponemos a luchar para salir de ese pozo. John nos lleva a un viaje movido de tempos rarísimos. Alterna el 9/10 y el 10/10. Como un estado de euforia y ansiedad.

4- “Happiness is a warm gun” (1:34 a 2:44)

Finalmente, logramos salir de ese pozo y conseguimos la paz. Entramos en una llanura de verde armonía. Volvimos al confort del 4/4 con una combinación de acordes conocida por nuestros oídos y una letra que habla de la felicidad y del amor.

La canción comienza con una sensación de incertidumbre, luego caemos a un pozo, luchamos y finalmente conseguimos la paz. Lennon nos obliga a experimentar todas las emociones del ser humano en tan solo 2:44 minutos.

"Get Back" (2021) de Peter Jackson

Siendo sincero, pensé que este documental no iba a mostrar más cosas que la película “Let it be” de 1970. Sin embargo, Peter Jackson, me demostró que una edición diferente es una película diferente. “Get Back” es algo completamente distinto a “Let it be”, y claramente, algo mejor.

Es sumamente gratificante ver la evolución de una canción. Como nace, desde una melodía sin letra, acordes incompletos, ideas en el aire, hasta llegar a esas canciones que todos nos sabemos de memoria y que son parte de la banda sonora de nuestras vidas. La perfección existe, pero se crea. Lleva días, semanas, correcciones. Y sobre todo, lleva ensayar y volver a ensayar hasta que salga bien. 

Verlos componer esos clásicos desde cero los hace ver humanos. Dejan de ser “Los Beatles” y pasan a ser cuatro amigos músicos haciendo canciones. Como cuatro pintores pintando un mismo cuadro.

Se reflejan cuatro personalidades, cuatro formas de trabar y cuatro posturas ante una banda que ya llevaba 6 años desde que entró Ringo (los demás ya iban 11 juntos).

Paul se destaca por ser el mayor compositor, por las interminables indicaciones a los demás y por su seguridad de hacia dónde deben ir las canciones y la película. Quizás esta postura lo transforma en un líder impuesto. Es verdad, muchas veces puede quedar como un soberbio músico y un jefe auto declarado con poca paciencia. Pero también, es el que más en serio se toma el proyecto y es un guía necesario ante la pasividad de sus compañeros. Pasividad, que también puede ser producto de su postura de querer abarcar todo.

Y la situación más notable, es cuando Paul deja de ser Paul. Sólo se da por momentos, cuando John propone sus payasadas y sus arreglos psicodélicos. Paul, con cara de admiración total, no puede resistir sumarse al humor y al talento su gran amigo.

John, es claramente el líder emocional de la banda. Si Lennon llega de buen humor, todos están de buen humor. Si Lennon, hace chistes entre canciones, todos lo siguen (y en especial Paul). Si Lennon decide hacer un cover improvisado, todos lo siguen. Es un líder, pero no impuesto, es un líder natural. No busca conflictos. Escucha las correcciones y sugerencias de Paul sin reclamos. Busca integrar a George y hasta pide que se ensayen más sus temas. Sólo le interesa “Don’t let me down” y todo lo demás lo hace con agrado para aportar el grupo. Claramente, ya está pensando en sus proyectos musicales. Quizás por eso, cierta pasividad y muy buen humor. Lennon, ya estaba armando un futuro solista, activista y acompañado de Yoko.

Y la situación más notable es la presencia de su pareja, siempre a centímetros de él, entre los demás Beatles. Todo el tiempo. Hay conversaciones sobre arreglos musicales que se hablan con Yoko Ono en el medio de los dos y Paul estirando el cuello para poder ver a John.

George, luego de 11 años a las sombras de la dupla Lennon-McCartney, se nota su mal humor y su necesidad de expandir sus canciones. La nota color del documental la da él cuando renuncia a la banda a los pocos días de empezar el proyecto.

El descontento de Harrison viene de larga data. Los contratos iniciales con EMI lo dejaron a un margen de los derechos de las canciones de los Beatles porque en ese momento sólo componían Paul y John. Por lo tanto, toda canción que grabara la banda, la haya compuesto quien la haya compuesto, iba a ser acreditada como Lennon/ McCartney. George era el guitarrista tímido de apenas 19 años. Pero, al pasar los años, el nivel de las composiciones de George llegaron a ser excelentes. Por lo tanto, empezó a exigir su lugar ante los demás miembros de la banda y ante EMI.

Hay un detalle en el documental que grafica esto mismo. En una escena, los Beatles piden al ingeniero de sonido que grabe, pero en vez de hacer las canciones del disco, terminan improvisando, a lo que se escucha un reclamo: “Muchachos, cada cinta cuesta dinero” a lo que George responde: “Somos empleados de EMI, entonces que lo pague EMI”.

Sin embargo, su salida del grupo, nace en medio de la grabación ante la postura caprichosa de Paul por lo que tenía que tocar con su guitarra. Esta situación, quizás no fue tan grave, pero Harrison ya venía acumulando.

Finalmente, vuelve, pero con condiciones. Entre ellas, no grabar más en el estudio de televisión e ir a su propio estudio en las oficinas de Apple donde terminan tocando en la terraza.

Y la situación, más notable, es cuando le cuenta a John que necesita mostrar sus canciones pero en un álbum solista. No se lo dice a Paul, se lo dice a John, los dos solos (bueno, solos no, estaba Yoko). Acá ya se nota la necesidad vital de George de una carrera solista y de que su confianza no llegaba a todos los miembros de la banda.

Ringo, es Ringo. Siempre de excelente humor, excelente predisposición. Hace lo que le piden todos. Se banca todas las correcciones de Paul. Llega siempre temprano, no molesta, juega con los hijos de los demás, es el que más mira a la cámara y hace muecas. Es el miembro más importante de la banda a la hora de la unión. Ringo, es el que sólo con su presencia, baja las tensiones del ambiente ante 3 personalidades bastante ásperas por momentos.

Richard Starkey, es el ciudadano común que logró ser baterista de la mayor banda de la historia. Cobra fortunas, acata las órdenes de los demás sin molestia, no tiene presiones compositivas, no se hace mala sangre por nada y llega a su casa a cenar sin ningún estrés. Además, es el beatle más querido y con más fans. Para Ringo, es todo ganancia.

La razón de que la película se tenía que filmar con cierto apuro, era porque tenía que filmar una película con Peter Sellers. No sólo los demás tenían proyectos solistas. La carrera de actor de Ringo estaba en su pico máximo y con buenas críticas.

Y la situación más notable, es cuando compone junto a George “Octopus Garden”. Una mezcla de ternura y talento de ambos. Una canción que figura como de Starkey pero debería ser un 50% de Harrison (o más).

La sensibilidad y la edición de Peter Jackson nos muestra la intimidad de cualquier banda de rock. El esfuerzo, los enojos, el trabajo, la amistad. Es desocultar el lado humano detrás de cada disco.

Astrid Kirchherr

Recién me entero que hace unos días murió Astrid Kirchherr.

Es interesante todo lo que significó Astrid en la historia de los Beatles (y no sólo por sus fotos).

Los Beatles llegan a Hamburgo a principios de los años 60’s a tocar en bares “intensos” de marineros alemanes por unas pocas monedas. Eran 4 adolecentes, de hecho, en 1961 los echan porque Harrison tenía 17 años y era menor de edad para estar trabajando en bares. Sin embargo, logran volver en 1962, con un Harrison mayor de edad y tocan sin parar durante días.

Hay que tener en cuenta que los Beatles son ingleses tocando en una ciudad alemana a pocos años de finalizada la segunda guerra mundial. Al rendirse los nazis, Alemania se reparte entre EEUU, URSS, FRANCIA e INGLATERRA. Al reino unido, le queda la administración del norte, donde se encuentra la ciudad portuaria de Hamburgo. Esa es la razón de porque tocan en esa ciudad y no en otra.

La música que se escuchaba en Alemania era limitada y antigua. La llegada de bandas inglesas con este nuevo sonido (que era mezcla de Rock, motown y beat) enloquecía a todos. Los Beatles se hacen populares entre el público de bares.

Una noche, un joven alemán llamado Klaus Voorman (Novio de Astrid y futuro diseñador de la tapa de Revolver, de todas las antologías y bajista de la “Plastic Ono Band”) se encontraba caminando por las calles del puerto, cuando de repente, escuchó este nuevo sonido y decidió entrar al bar. Inmediatamente se hizo fanático de los Beatles (en ese momento eran los Silver Beatles).

“Los Silver Beatles” eran los Beatles con una formación previa. Estaban John, Paul y George pero los tres tocaban guitarras. El resto de la banda la conformaba Pete Best en batería y Stuart Sutcliffe en el bajo.

Es Klaus el que lleva a sus amigos a ver a esta banda, entre ellos, su novia Astrid. Rápidamente ambos grupos se hacen muy amigos.

Alemania estaba transitando una etapa de vergüenza mundial por el nazismo (sobre todo los jóvenes). De hecho, Lennon siempre imitaba a Hitler en esos conciertos. Una clara señal del humor ácido y “al límite” de John.

Por lo tanto, para Astrid, Klaus y los demás, hacerse amigos de un grupo de ingleses de la misma edad donde el arte era el nexo, era una situación de reconciliación, paz y un cambio hacia el amor. Claramente, no es casualidad que sean los comienzos de los 60’s, una década caracterizada por este concepto. Finalmente, ingleses y alemanes se hacen amigos luego de que sus abuelos y padres habían peleado en la primera y en la segunda guerra mundial.

Los Beatles aprendieron de sus nuevos amigos alemanes, una nueva manera de peinarse, de vestirse, de relacionarse, de eliminar prejuicios. Sorpresivamente, los alemanes (bajo la administración de un gobierno exterior) les enseñaron a ser más “libres” mentalmente y artísticamente. Astrid y Klaus estaban más adelantados en la revolución que vendría en los 60 que los propios Beatles.

Es por eso, que los días de Hamburgo son tan importantes en la historia de los Beatles. Hay un antes y un después. Además, es en Hamburgo donde conocen a Ringo (que tocaba la batería en otra banda inglesa de gira por Alemania) y que luego llamarán para reemplazar a Pete.

Astrid era fotógrafa y comienza a sacarle fotos a la banda. Y de apoco, los empieza inducir a cambiar el corte de pelo y vestimenta. Tanto tiempo juntos, no ayudó a que Stu no se enamorara de ella. Al poco tiempo, Astrid deja a Klaus y empieza a salir con Stu. Cuando los Silver Beatles deciden volver a Liverpool, Stu deja la banda para quedarse con su amor en Hamburgo. Ambos viven una historia de amor hermosa hasta la muerte de él en 1962. La causa fue una hemorragia cerebral causada por golpes recibidos en una pelea meses antes en Hamburgo.

Astrid fue amiga de los Beatles por el resto de su vida, y pesar de su talento y su amistad con los cuatro de Liverpool, nunca llegó a ser fotógrafa oficial de ellos. La tapa de “With the Beales” claramente esta basada en su estilo de fotos, sin embargo la sacó otro fotógrafo (Robert Freeman). Quizás porque era fotógrafa “freelance”, o quizás por celos, o quizás porque no le interesaba ser profesional de la fotografía, Brian Epstein (Representante de los Beatles) nunca la tuvo en cuenta.

De todas maneras, Astrid marcó la historia de los Beatles. Es un antes y un después. Los Beatles no hubieran sido los Beatles que conocimos sin Astrid. John, Paul y George no sólo ganaron un nuevo estilo estético y cultural, sino que ganaron algo mucho mejor: una hermosa amistad.